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Perfektion, der größte Feind des Jazz


Artikel von: Massimo Tore

Biografia di Massimo Tore

Massimo Tore, Kontrabassist, interessiert sich für Jazz, klassische und barocke Musik und radikale Improvisation. Geboren 1958, studierte er seit seiner Kindheit Musik und spielte Klavier, Gitarre, E-Bass und schließlich Kontrabass. Im Alter von 12 Jahren spielte er bereits Popmusik in Coverbands. Im Alter von 20 Jahren ist er Autodidakt am Kontrabass und macht seinen Abschluss am Konservatorium von Cagliari. Seit 1980 ist er im Jazz aktiv und hat mit Paolo Fresu, Bruno Tommaso, Lester Bowie, Flavio Boltro, Claudio Fasoli, Massimo Urbani und anderen gespielt. Er lehnt Etiketten ab und sucht nach Musik, die Genres und Einflüsse kombiniert. Seit 1985 spielt er in Sinfonie- und Opernorchestern. Seit 1997 ist er festes Mitglied des Orchestre des Champs Élysées unter der Leitung von Philippe Herreweghe und hat mit Les Arts Florissants", Anima Eterna" und anderen zusammengearbeitet. Er macht Aufnahmen für Harmonia Mundi, Phi und Deutsche Grammophon. Seit 2001 unterrichtet er Kontrabass und seit 2004 auch Jazz und Ensemblemusik am Konservatorium von Cagliari.

"Perfektion ist der Feind der Exzellenz" (...)
"Perfektion ist immer nur einen Schritt von der Vollkommenheit entfernt"(...)
Wenn ich gewartet hätte, bis ich perfekt war, hätte ich nie ein Wort geschrieben" (Margaret Atwood)

 

DENN PERFEKTION IST DER FEIND DES JAZZ

Jeder hofft, eines Tages perfekt zu sein. Perfekte Intonation, perfekte Linien, perfekter Klang... aber was wäre, wenn wir stattdessen denken würden, dass es die Idee der Perfektion ist, die uns zurückhält? Dieses Streben nach Perfektion kann nicht nur unserer täglichen Praxis schaden, es kann uns auch den Spaß und die Freude an der Entdeckung, am gesamten Lernprozess nehmen.

Jazz zu spielen ist eine der individuellsten Bestrebungen, die man sich vornehmen kann. Denken wir einen Moment nach: Charlie Parker, John Coltrane, Thelonious Monk, Oscar Peterson, Bill Evans... jeder Einzelne ist absolut originell und einzigartig.

Aber oft ist die Art und Weise, wie Jazz gelehrt wird, alles andere als individualistisch, so als gäbe es eine "Standard"-Art, Jazz zu spielen und zu denken, mit allgemeingültigen Normen, was "gut" und was "schlecht" ist. Dass jeder Akkord eine bestimmte Tonleiter erfordert, jedes Instrument auf eine bestimmte Art und Weise gespielt werden muss und jeder Jazzmusiker die Musik auf ähnliche Weise angehen muss.

Aber die Idee der Perfektion ist genau das: eine Idee, die von unserem Umfeld, unseren Einflüssen, unseren Lehrern, Freunden und vor allem von uns selbst geschaffen und unterstützt wird.

Mit der Zeit neigt diese Vorstellung von Perfektion im Sinne von Klang, Technik und sogar dem, was Jazz an sich ist, dazu, die Art und Weise, wie wir uns der Musik nähern, zu lenken und zu begrenzen.

WIE DIE IDEE DER PERFEKTION ENTSTEHT

Diese Vorstellung ist uns nicht angeboren, irgendwann werden wir neugierig darauf, was Perfektion sein könnte...

Wir spielen Jazz wegen der Energie, die er uns gibt, weil wir uns von der Musik mitreißen lassen, aber wenn wir mit dem Studium, der Analyse und der Rationalisierung weitermachen, hört die Flamme auf zu brennen wie zuvor.

Alles beginnt mit der ersten Besessenheit von einem unserer musikalischen Helden...

Einen unserer Lieblingsmusiker zu imitieren, zu kopieren, Stück für Stück auseinander zu nehmen, ist für den Lernprozess unerlässlich, aber oft verlieren wir uns in dem Musiker selbst und erheben ihn auf ein Niveau, das wir niemals erreichen können.

Unser musikalischer Held erwirbt dann dieses Bild der Perfektion in unseren Köpfen, und alles, was wir mit unserem Instrument tun, von der Suche nach der Klangfarbe bis hin zu Linien, Phrasen und Timing, müssen wir an ihm messen. Wir haben diese Vorstellung vom perfekten Musiker geschaffen, der alles auf die einzig "richtige Art" macht, und wir sind weit davon entfernt.

Aber die Idee der Perfektion hört hier nicht auf. Wenn wir die Technik, den Klang und das Repertoire eines Instruments studieren, entsteht ein Bild von instrumentaler Perfektion, bei dem wir in unseren Köpfen festhalten, was es bedeutet, eine "großartige Technik" oder einen "schönen Klang" zu haben, auch wenn dies Teil einer individuellen Interpretation ist. Oscar Peterson und Bill Evans zum Beispiel haben beide eine großartige Technik und einen schönen Klang, aber sie sind so unterschiedlich, dass sie an einer einzigen Note oder einem einzigen Akkord zu erkennen sind.

Wir gehen sogar so weit, dass wir uns eine Vorstellung davon machen, was es bedeutet, Jazz auf "perfekte" Weise zu spielen. Wir haben diese Vorstellung von der Perfektion des Jazz, die alles beherrscht, was wir tun, von den Liedern über die Soli, die wir transkribieren, bis hin zur allgemeinen Einstellung, zur Bedeutung des "Jazzmusikerseins" oder einfach des "Musikerseins".

All diese Vorstellungen von Perfektion schaffen wir - bewusst oder unbewusst - aus einem bestimmten Grund: um zu verstehen, was uns gefällt und was nicht, um uns unserem Ideal näher zu bringen, das theoretisch etwas Nützliches sein könnte.

Das Problem entsteht, wenn wir so sehr an unserer Vorstellung von Perfektion hängen, dass wir unsere Individualität, unsere Kreativität, unsere Zufriedenheit und unser Streben ablehnen, was dazu führt, dass wir entmutigt werden und das Interesse verlieren.

Es ist diese Besessenheit von Perfektion, die uns geradewegs gegen eine Wand schickt, in einen Käfig von Beschränkungen, und die genau den Motor zerstört, der uns zum Lernen antreiben sollte, mit Freude als lohnender Erfahrung.

 

 

Wie erkennen wir also diese Besessenheit und wie können wir sie überwinden?

 

WIE MAN DIE BESESSENHEIT VOM "PERFEKTEN HELDEN" ÜBERWINDET

Von unseren musikalischen Helden zu lernen ist fantastisch und wahrscheinlich der direkteste Weg, die Sprache des Jazz zu lernen. Indem wir die Aufnahmen der Meister abspielen, nehmen wir die Details auf, die man nicht verbal oder von einer geschriebenen Seite vermitteln kann.

Nutzen wir unsere Helden, um uns zu inspirieren, zu motivieren und um das Innenleben der Jazzimprovisation zu verstehen. Nutzen wir sie, um unsere musikalische Persönlichkeit zu entdecken, zu definieren und zu gestalten.

Wenn wir jedoch das Gefühl haben, dass wir besessen werden, wenn wir das Gefühl haben, dass wir wie sie werden wollen und nicht wie wir selbst, dann ist es an der Zeit, in den Spiegel zu schauen.

 

3 SCHRITTE, UM UNS VON DER BESESSENHEIT DES "PERFEKTEN HELDEN" ZU BEFREIEN

  1. Wir sind bewusst anders als unsere Helden - Wir treffen Entscheidungen und entscheiden uns dafür, anders zu spielen als unsere Vorbilder. Wenn sie zum Beispiel ein Lied in der hohen Lage spielen, spielen wir es in der tiefen Lage. Wenn sie laut spielen, spielen wir langsam. Wenn sie schnell spielen, spielen wir langsam. Indem wir uns von ihren Entscheidungen entfernen, können wir unsere eigenen treffen.

  2. Streben wir danach, unser musikalisches Ego zu erschaffen und zu definieren - Wir sollten uns angewöhnen, von unseren Modellen zu lernen, als ob wir von uns selbst lernen würden. Fragen wir uns zum Beispiel: Was gefällt mir an deinem Spiel, was gefällt mir nicht? Was würde ich ändern? Was kann ich hinzufügen? Wir nehmen oft alles, was sie spielen, als Gold, nur weil ihre es gespielt haben. Vielmehr bauen wir etwas auf dem auf, was uns gefällt, lassen los, was uns nicht gefällt, und machen uns das Material, das wir entdecken, zu eigen.

  3. Lasst uns experimentieren und zuversichtlich sein - Wir fragen uns ständig: Wie kann ich das, was sie tun, übernehmen und noch weiter gehen?

Wir nutzen das, was wir von den Meistern lernen, um auf den Schultern von Giganten zu stehen, nicht um in ihrem Schatten zu stehen.

 

Wir müssen die Dinge nicht auf dieselbe Weise tun wie unsere Vorbilder. Ihre Herangehensweise zeigt einen einzigen Weg auf, wie man die Dinge tun kann, inmitten einer grenzenlosen Fülle von Möglichkeiten. Wir lernen von den Vorbildern, aber wir treffen unsere eigenen Entscheidungen darüber, welche Art von Musiker wir werden wollen, wir schwimmen bewusst gegen den Strom.

 

WIE MAN DIE "INSTRUMENTELLE PERFEKTION" ÜBERWINDET

Einer der Aspekte der Jazzimprovisation, der uns leicht in seinen Bann ziehen kann, ist eine beeindruckende Instrumentaltechnik. Wenn wir einen Bassisten wie Niels Pedersen oder einen Saxophonisten wie Michael Brecker hören, denken wir: "So muss ich auch spielen! Ich brauche diese Technik!".

Manchmal ist es aber auch ein wenig subtiler.

Als ich mein Studium an der Musikhochschule begann, wurde mir beigebracht, dass es eine Reihe von Fähigkeiten gibt, die man erreichen muss, um ein guter Kontrabassist zu sein. Zum Beispiel ein sauberer Klang, ein makelloser Bogen, die Einhaltung der Saite, eine perfekte Intonation... und das sind objektiv notwendige Dinge. Andere Dinge, wie z. B. das ständige Vibrieren irgendeines Tons, sind es überhaupt nicht und sind Teil einer Ästhetik, die meiner Meinung nach völlig anti-musikalisch ist, obwohl sie von den meisten Musikern akzeptiert wird.

Zu lernen, wie man in der richtigen Tonlage mit einem sauberen Klang spielt, Tonleitern und Arpeggien usw. zu beherrschen, ist ein notwendiger Schritt und vermittelt eine Vorstellung davon, was es bedeutet, eine "gute Instrumentaltechnik" zu haben. Das ist ein guter Ausgangspunkt.

Oft wird dies jedoch nicht als Ausgangspunkt gesehen, sondern als eine Reihe von Regeln, die wichtiger sind als alles andere und die bis zum bitteren Ende eingehalten werden müssen, und wie bei der Untersuchung unserer Modelle können wir leicht davon besessen werden, diesen instrumentellen technischen Standard zu erreichen. Spielen mit perfekter Intonation, Spielen mit perfekter Technik, Spielen mit perfektem Klang.

Es ist ein großer Unterschied, ob man sich täglich Zeit nimmt, um Intonation und Klang zu verbessern, oder ob man davon besessen ist, das Instrument perfekt spielen zu MÜSSEN.

Im Jazz spielt vielleicht niemand perfekt im absoluten Sinne, wie es ein klassischer Musiker anstrebt. Oft ist die Intonation im Jazz nicht perfekt, das hohe Register ist ein wenig schrill, oder die Artikulation kann unklar sein.

Jazz ist keine perfekte Musik. Unsere Modelle sind nicht perfekt, und sie erlauben sich oft Fehler.

Obwohl ein Jazzmusiker jeden Tag intensiv die Technik seines Instruments, die Intonation, den Klang usw. studiert, sind diese Aspekte der Musik zweitrangig gegenüber dem Eingehen von Risiken, dem Erzählen einer Geschichte, dem Schaffen von "musikalischen Atmosphären". Dies sind Elemente des Jazz, die dazu dienen, mit dem Publikum zu kommunizieren.

 


Hab keine Angst vor Fehlern, es gibt keine (Miles Davis)

(Haben Sie keine Angst vor Fehlern, die gibt es nicht)

 

Lassen wir die (falsche) Vorstellung hinter uns, dass es nur eine richtige Art gibt, unser Instrument zu spielen, oder dass wir keine Fehler machen dürfen. Wir spielen Jazz, nicht für das Orchester der Scala vorspielen....

3 SCHRITTE, UM SICH VON "INSTRUMENTELLER PERFEKTION" ZU BEFREIEN

  1. Wir bleiben auf unserem Niveau - Jeder fängt als Anfänger an, das ist eine Tatsache. Wir versuchen, mit unserem instrumentalen Niveau zurechtzukommen, aber wir versuchen, durch Verbesserung unserer Instrumentaltechnik kontinuierlich Fortschritte zu machen. Wir sollten nicht frustriert sein, wenn wir nicht so laut, so schnell oder so artikuliert spielen können. Technik und Klang werden Tag für Tag, in kleinen Schritten, verbessert.

  2. Wir haben das Recht, Fehler zu machen - Der Jazz ist von so genannten "Fehlern" heimgesucht. Sie sind Teil dessen, was diese Musik großartig macht. Wir müssen nicht die ganze Zeit "sicher" spielen. Das Ziel ist es, zu improvisieren und "bei der Sache" zu sein, also sollten wir lernen, "loszulassen", indem wir uns auf unsere innere Stimme konzentrieren, das Risiko eingehen und versuchen, das zu spielen, was wir innerlich fühlen. Es geht nicht darum, unser Instrument mit absoluter Perfektion zu spielen, es geht darum, unsere innere Stimme auszudrücken, eine Botschaft zu senden, eine Geschichte zu erzählen.

  3. Wir betrachten unser Instrument als eine lebenslange Reise - Wir haben unser ganzes Leben vor uns, um unsere Technik zu verbessern. Es wird nie ein fertiges Werk sein, sondern etwas, an dem wir jeden Tag arbeiten und uns langsam weiterentwickeln. Nehmen wir uns die Zeit und machen wir "nachhaltige" Verbesserungen.

Wir dürfen uns nicht von der Besessenheit leiten lassen, unser Instrument perfekt spielen zu müssen, sondern müssen lernen, improvisierte Melodien zu spielen und Soli mit Selbstvertrauen zu spielen. Stattdessen sollten wir Technikübungen in unser tägliches Üben integrieren.

 

WIE MAN DIE "JAZZ-PERFEKTION" ÜBERWINDET

Wenn wir 100 große Musiker fragen, werden wir sicherlich 100 verschiedene Antworten erhalten, aber wenn wir lernen, Jazz zu spielen, wird es uns nicht so vorkommen.

Manchmal scheint es, als müssten wir darüber nachdenken, was Jazz ist, und ihn nur auf eine bestimmte Art und Weise spielen - dass wir eine bestimmte Liste von Musikern in einer bestimmten Reihenfolge studieren müssen, dass wir eine bestimmte Sprache lernen, bestimmte Stücke spielen und uns dem Jazz auf eine bestimmte Weise nähern müssen, um ein "echter" Jazzer zu sein...

 

Man muss das Konzept dessen, was Jazz ist oder sein könnte, völlig aufgeben.

"Für mich bedeutet das Wort Jazz I DARE YOU" (W. Shorter)

"Für mich bedeutet das Wort Jazz ICH FORDERE DICH HERAUS" (W. Shorter)

Manche sagen uns vielleicht, dass wir Funk, Rock & Roll, Salsa und alle Aspekte des Jazz spielen können müssen, wenn wir arbeiten wollen, oder dass wir Tausende von Stücken kennen müssen, oder viele andere mögliche Legenden, aber die Wahrheit ist:

  • Es gibt kein Regelwerk, an das sich Musiker halten müssen, um Jazz zu spielen, und es gibt auch nicht die eine Art, Jazz zu spielen.
  • Es gibt viele verschiedene Arten von Auftritten, einschließlich der Möglichkeit, unsere eigene Art zu erfinden, und es gibt heutzutage keinen einzigen Weg, Jazz zu spielen oder als Jazzmusiker zu arbeiten. Es liegt an uns, zu entscheiden, was wir mit der Musik machen wollen, was wir mögen, welche Richtung wir einschlagen wollen.

Wenn wir uns durch die Jazz-Definitionen anderer belastet fühlen, folgen wir diesen Schritten, um uns zu befreien:

3 SCHRITTE, UM SICH VON DER "JAZZ-PERFEKTION" ZU BEFREIEN

  1. Widerstand gegen Jazz-Dogmen - Es gibt keine einheitliche Definition von Jazz. Zeitschriften, Geschichtsbücher, Lehrer und andere versuchen zu definieren, was Jazz ist und was er sein muss, um Jazz zu sein, aber das ist nur ihre Definition. Eine geeignetere Definition könnte lauten "Eine musikalische Sprache, die von den Jazzmusikern der Vergangenheit geschaffen wurde, die in alle möglichen Richtungen weitergeführt und erweitert wurde, jede davon einzigartig, und vor allem eine Sprache, die uns überall hinführen kann.

  2. Wir erforschen, was Jazz für uns bedeutet - Was bedeutet Jazz für uns? Je tiefer wir in die Musik eindringen, desto mehr ändert sich die Antwort auf diese scheinbar einfache Frage, so wie sich auch unser Zugang zur Musik ändert.

  3. Kommen wir zum Handeln - Was auch immer Jazz an diesem Punkt unserer Entwicklung bedeutet, wir versuchen, in diese Richtung zu gehen. Wir ignorieren die Grundlagen nicht, aber wir versuchen, unsere eigene Sichtweise auf die Musik einzubringen. Wenn es im Jazz zum Beispiel hauptsächlich darum geht, interessante Melodien zu spielen, oder um synkopische Rhythmen oder Polyrhythmen, dann gehen wir in diese Richtung. Was auch immer es ist, lassen wir uns davon inspirieren, um unser Studium darauf auszurichten. Sicherlich ist Jazz kein Ding: Er ist keine abgestandene Kunst, die wir in Geschichtsbüchern finden.

 

WAHRE PERFEKTION: UMARME DIE FEHLER UND SPIELE MIT DEM HERZEN

Der Jazz besteht aus mehr als Unvollkommenheit als Perfektion. Wir müssen die Unvollkommenheit entdecken, sie akzeptieren, sie in unsere Sprache aufnehmen.

Um zu verstehen, was dieser Satz bedeutet, hören wir uns zum Beispiel John Coltrane an: Wir erkennen ihn von der ersten Note an, die er spielt, und zwar nicht, weil er perfekt ist, sondern gerade weil er es nicht ist. Genauso wie wir die Klangfarbe eines Instruments an dem Unvollkommensten und Geräuschhaftesten erkennen: der Einschwingphase. Wir erkennen John Coltrane an seinen Unvollkommenheiten, an der Art, wie er das hohe Register erreicht, an einigen leicht verstimmten Noten, an seiner Artikulation...

 

Unvollkommenheiten sind es, die uns und unsere Stimme ausmachen.

Das bedeutet nicht, dass wir nicht lernen sollten, in der richtigen Stimmung zu spielen, oder mit einem schönen Klang, oder mit der richtigen Artikulation, es bedeutet, dass wir, wenn wir daran arbeiten, in der richtigen Stimmung zu spielen, mit einem schönen Klang und gut artikuliert, nicht an den unvermeidlichen Unvollkommenheiten hängen bleiben, die in unserem Spiel sein können.

Unsere musikalischen Helden sind nicht perfekt, niemand spielt perfekt Jazz, und niemand ist in der Lage zu definieren, was genau Jazz ist. Perfektion im Jazz ist eine Illusion, also sollten wir aufhören, uns selbst zu bestrafen. Erinnern wir uns daran, dass unsere Stimme im Jazz nicht in der Besessenheit von der Perfektion liegt, sondern in der Einbeziehung unserer Unvollkommenheiten durch die tägliche Arbeit der Neugierde, der persönlichen Entdeckung und der Freude an der Musik.

 

DAS KREUZ DER MEDAILLE: DU MUSST DU SELBST SEIN 😎 (und das war's?)

Natürlich gibt es Menschen, die das alles wörtlich nehmen, aber das heißt nicht, dass es ihnen zum Vorteil gereicht. Seit ein paar Jahren hört man in bestimmten Fernsehformaten immer wieder das Gleiche Du musst du selbst sein o 'Man muss spontan sein'. Meistens richten diese im Fernsehprogramm geäußerten und auf den musikalischen Kontext übertragenen Vorstellungen irreparablen Schaden an. Sie hören nämlich oft Sänger, die verstimmt oder aus dem Takt sind, aber ihre "Trainer" sagen ihnen: "Du musst spontan sein". Das Ergebnis ist, dass Dutzende von jungen Menschen, die sich dem Musikstudium nähern möchten, denken, dass man, um Musiker zu werden, in erster Linie spontan sein muss, und das zum Nachteil von Studium, Theorie, Harmonielehre, Forschung, kritischem Zuhören und Kenntnis der Tradition. Außerdem sind die Musiker, die als Vorbilder genommen werden, oft selbst sehr mittelmäßig, und sich einen mittelmäßigen Musiker zum Vorbild zu nehmen, trägt sicher nicht zur Entwicklung einer musikalischen Persönlichkeit bei.

Darüber hinaus wird der Satz "Es fällt mir nicht spontan ein" als Alibi verwendet, um die Unfähigkeit, etwas zu tun, oder die Unkenntnis bestimmter Improvisationstechniken oder bestimmte Unzulänglichkeiten wie mangelndes Rhythmusgefühl, fehlende Klarheit usw. zu verbergen.

Spontaneität ist ohne Wissen absolut nutzlos.
Heutzutage ist die Menge an kostenlos verfügbaren Informationen enorm, ja sogar übertrieben. Man muss nur einen Namen oder ein Musikgenre auf Youtube eingeben, und schon findet man Millionen von Audio- und Videoaufnahmen. Es wird sogar kompliziert, einen Titel auszuwählen. Hier kommt wieder die Notwendigkeit eines Lehrers ins Spiel, der einen auch bei der Auswahl der Grundlagen anleiten kann und keine Zeit mit trivialen Dingen verschwendet. Auch wenn wir beim Herumstöbern immer noch etwas Neues entdecken können, kann eine gezielte Auswahl uns weiterbringen. Welche Art von Musik wir auch immer spielen wollen, es gibt einige Dinge, die nicht ignoriert werden können. Wir können keine guten Jazzmusiker sein, wenn wir nicht wissen A Kind Of Blue, um nur ein Beispiel zu nennen. Wir können nicht Kontrabass studieren, ohne Charles Mingus, Paul Chambers, Ray Brown, Charlie Haden, Oscar Pettiford zu kennen... aber ich würde hinzufügen, dass wir, egal welches Instrument wir spielen, große Meister wie Charlie Parker, Thelonious Monk, Lester Young, John Coltrane, Bill Evans, Oscar Peterson, Red Garland, Joe Pass, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Billie Holiday und viele andere nicht ignorieren können. Oder spielen wir nur klassische Musik? Wir können die historischen Werke der größten Musiker der Vergangenheit nicht ignorieren: Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven und tausend andere...

Oder besser gesagt, wir haben jedes Recht dazu, aber wir werden immer arme und unwissende Musiker sein.

Leider ist durch Fernsehformate wie X-Factor eine Generation von aufstrebenden Musikern entstanden, die keine Ahnung haben, was es bedeutet, einen Beruf auszuüben. Studie ein Instrument, sondern sind im Gegenteil davon überzeugt, dass sie fast alles über Musik wissen. Und sie sind vor allem sehr spontan, wenn es darum geht, sich auszudrücken.


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6 Kommentare
  1. Alessandro Fois
    Alessandro Fois sagte:

    Hallo Massimo.

    Bei der Lektüre Ihres interessanten Artikels, dem ich in vollem Umfang zustimme, habe ich an einer Stelle gedacht:

    Ich, der ich mich schon immer im Jazz 'versucht' habe, ohne ihn jemals wirklich studiert zu haben..... Heute ist mir klar geworden, dass ich ein Jazzmusiker bin, während ich bis gestern dachte, dass ich nur jemand bin, der gelegentlich versucht, Jazz zu spielen".

    Scherz beiseite, wenn Sie gestatten, möchte ich Ihnen im Folgenden einige zusätzliche Informationen geben.

    Über die Perfektion von Führungskräften:
    - es liegt auf der Hand, dass das Nichtstreben nach Perfektion kein Alibi für Unfähigkeit sein kann; man muss in der Stimmung sein, im Takt und sauber spielen, die Harmonie kennen usw;
    - Das Ideal der perfekten Intonation, der rhythmischen Präzision, des sauberen Klangs usw. erfüllt wie jedes andere Ideal seine perfekte Funktion als absoluter Bezugspunkt (z. B. ist der perfekt mathematische Rhythmus, der in der geschriebenen Stimme kodifiziert ist, die niemals genau so gespielt werden wird, ein starrer Bezugspunkt);
    - Eine Darbietung, die einem solchen absoluten Ideal wahnwitzig nahe kommt, mag in bestimmten Phasen des Studiums zulässig sein, muss aber beim Spielen völlig vergessen werden.

    Es muss also zwischen klassischer Musik (zumindest im akademischen Sinne) und Jazz unterschieden werden.
    Es gibt eine Kluft zwischen den beiden "Strömungen". In der Tat:
    - Die erste ist die Kunst des Codierens, die vom schriftlichen Teil durch den Versuch einer fast manischen Einhaltung der technischen und formalen Perfektion zu einem präzisen Aufführungsstil übergeht, der die Epoche, in der er entstanden ist, heraufbeschwören kann;
    - der zweite (Jazz, um genau zu sein) ist die Kunst, eine solche Kodifizierung zu überschreiten, wobei das Thema fast immer auf eine Melodie mit geschlossener Harmonie reduziert oder reduzierbar ist und der Rest reine Improvisation auf einer (manchmal sogar ungefähren) rhythmisch-harmonischen Leinwand ist (oder wäre), wenn nicht sogar außerhalb eines vorher festgelegten Schemas, wie im Free Jazz.

    Wenn ich Ihre Überlegungen richtig verstanden habe, sagen Sie, dass das persönliche "Bring" eines Musikers (der ein solcher Musiker ist) hoffentlich ohne besondere Vorbehalte in einen dehnbaren Kontext wie den Jazz eingefügt werden kann, indem er seiner expressiven und improvisatorischen extemporären Inspiration freien Lauf lässt, denn Ihrer Vision zufolge sollte der Jazz eine offene Schmiede bleiben, die auf alle Möglichkeiten der Kontamination, der expressiven (aber auch formalen) Interpretation und letztlich der Evolution ausgerichtet ist.

    Nach Meinung vieler sollte der Jazz stattdessen auf das reduziert werden, was ich als "schöne, aber tote" Musik bezeichnen würde, ähnlich wie die klassische Musik, die aufgrund ihrer immer verbindlicheren Kodifizierungen schließlich in einem Klischee gefangen ist, das, so großartig es auch sein mag, keine neuen Variablen und Entwicklungen zulässt.

    Trotz seines unveräußerlichen "offenen" improvisatorischen Charakters wird der Jazz, der in Stil, Haltung, Phrasierung und Akzenten stark kodifiziert ist, bald (wie es bereits zu einem großen Teil der Fall ist) wiederum in den spezifischen Stilen gefangen sein, die kanonisch geworden sind.

    Die klassische Musik und sogar der Jazz werden so verstanden ebenfalls selbstreferentiell und verschließen sich jedem, der nicht den Dogmen von Stil und Struktur entspricht, die von der konservativen Kaste, die sie mit konservativen Instinkten betreibt, als akzeptabel definiert wurden.

    In Anbetracht der obigen Ausführungen kann ich mich dem Chor, den Sie angerufen haben, nur anschließen:
    NEUGIERDE, ENTDECKEN, ERLEBEN, MÖGLICHKEITEN
    Mit anderen Worten, die Antwort muss lauten:
    SPIELEN MACHT SPASS.
    Also lasst es uns so machen!
    Das heißt, einen geschmeidigen Fluss der Musikalität zu ermöglichen.
    ***
    Vor einigen Jahren haben Sie mir im Rahmen eines musikalischen Abends auf eine konkrete Frage von mir (wie Sie sich erinnern werden) ungefähr Folgendes gesagt:
    "Man kann Jazz spielen, weil man über eine ausreichende Technik, gute harmonische Kenntnisse und ein gewisses Maß an melodischem Gespür verfügt, aber man kennt nicht wirklich die typische Jazzphrasierung und -haltung, so dass man, wenn man ihn spielt, etwas zustande bringt, das nicht nur musikalisch korrekt ist, sondern auch Spaß macht, aber auf jeden Fall von der Norm abweicht...."

    Um auf den Anfang dieses Kommentars zurückzukommen, frage ich Sie angesichts dessen, was Sie geschrieben haben, in erster Linie in scherzhafter, aber auch freundlich provozierender Absicht:
    "Bin ich also auch ein Jazzmusiker oder bin ich nur jemand, der gelegentlich versucht, Jazz zu spielen?"

    :-)

    • Massimo Tore
      Massimo Tore sagte:

      CAro Alessandro, ich danke Ihnen für Ihren Kommentar. Aus dem, was Sie geschrieben haben, kann ich ersehen, dass ich mich nicht gut ausgedrückt habe.
      Eigentlich hätte ich das Wort "Jazz" weglassen können und das Wort "Musik" ganz allgemein. Der Punkt dieses Artikels ist jedoch, dass das Streben nach Perfektion (oder vermeintlicher Perfektion) zu einem Hindernis wird, wenn es uns daran hindert, uns weiterzuentwickeln, egal in welchem Musikgenre wir uns gerade versuchen. Ich kenne etliche klassische Musiker, die sich nicht trauen, sich an bestimmte Stücke oder Situationen heranzuwagen, weil sie sich selbst nicht für gewachsen halten, und auch das ist eine Haltung, die die individuelle Entwicklung behindert.
      Was den Jazz betrifft, so sprechen Sie davon, dass die Musik extrem kodifiziert und unveränderlich ist, aber das ist nicht ganz richtig. Ich gebe Ihnen ein Beispiel: Sprachen sind ein Beispiel für eine "lebendige" Kultur, d.h. sie entwickeln sich ständig weiter. Sie verändern die Grammatik, das Vokabular usw. Angenommen, ich möchte die russische Sprache neu erfinden, aber ich kenne sie nicht gut. Wäre ich Ihrer Meinung nach in der Lage, etwas Überzeugendes zu leisten?
      Bevor man zur Entwicklung eines Musikgenres beiträgt, muss man seine tiefen Mechanismen, seine Sprache und seine Tradition kennen, ähnlich wie beim Sprechen einer Fremdsprache. Es dauert lange, bis ein Muttersprachler nicht mehr das Gefühl hat, dass wir einen fremden Akzent haben.
      Um Jazz zu spielen und vor allem, um eine eigene und originelle Stimme zu haben (ein erstrebenswertes Ziel, das leider nur wenige erreichen), muss man seine Sprache und Tradition kennen.
      Kurz gesagt, lerne die Regeln, damit du sie bewusst brechen kannst (Dalai Lama? Pablo Picasso? Gary Peacock? Ich bin mir nicht sicher, wem ich diesen Satz zuschreiben soll, aber er gefällt mir und macht sehr viel Sinn).

      • Alessandro Fois
        Alessandro Fois sagte:

        Im Prinzip (nicht bei Massimo) stimme ich zu... und in der Tat war es eine wohlwollende Provokation, wie Sie wohl erkannt haben.

        Man kann jedoch nicht leugnen, dass die "Kontamination" durch ungewöhnliche und teilweise kontextfremde Elemente (oder, wenn Sie so wollen, teilweise aus der Sprache) auch ein nicht unbedeutendes Element ist, das die Entwicklung der Sprache selbst in unerwartete Richtungen gelenkt hat, und es steckt immer eine Person oder eine menschliche Gruppe dahinter, die in diesem Sinne, manchmal sogar unbewusst, den Startschuss gibt.

        Es ist auch anzumerken, dass diese "sprachlichen" Abweichungen manchmal, wenn sie nicht auf der Straße landen, eine teilweise ausgeprägte expressive Untergruppe schaffen, die fast immer einen anderen Namen annimmt, der mehr oder weniger mit der Ursprungssprache zusammenhängt

        Dies lässt sich sowohl in einer verbalen Sprache (z. B. Englisch-Jamaikanisch, um es einfach und banal zu halten) als auch im Rahmen einer musikalischen Sprache (Ethnopop, Neo-Klassik, Nu-Jazz, Acid-Jazz und tausend andere) und auch in anderen Zusammenhängen beobachten (ich nenne z. B. die Abschweifungen bestimmter naiver Künstler, deren Stil z. B. vom Impressionismus ausgeht, ohne mit ihm zusammenzufallen).

        Ich denke, man kann mit Fug und Recht behaupten, dass diese Abweichungen von der musikalischen Muttersprache, vor allem in der heutigen Zeit, manchmal aus dem Stil einer Platte eines neuen, unbekannten Künstlers resultieren, der nach einem kleinen, zumindest bemerkenswerten Erfolg andere Musiker zur Entwicklung eines neuen, im Entstehen begriffenen Substils anleitet und manchmal sogar eine regelrechte "Strömung" schafft.

        Dann können diese Äußerungen natürlich mehr oder weniger talentiert, mehr oder weniger geschmackvoll oder erfolgreich sein, oder sie finden einfach mehr oder weniger Zustimmung und Gefolgschaft, und manchmal werden sie so erfolgreich, dass sie ein regelrechtes Subgenre schaffen, manchmal sogar jenseits des eigentlichen künstlerischen Werts der Verunreinigung und aus tausend verschiedenen Gründen, zu denen oft auch die Hand des Marketing gehört. Aber letzteres ist eine andere bekannte Geschichte.

      • Alessandro Fois
        Alessandro Fois sagte:

        Um jedoch auf Ihren letzten Satz zu antworten, möchte ich Ihnen sagen, dass ich im Vorwort meines Buches über das Mischen das Folgende geschrieben habe: "Befolge keine Regeln, sondern lerne sie erst einmal alle kennen". Dieser Satz spiegelt Ihren wider: "Lerne die Regeln, um sie bewusst brechen zu können."...... Wir scheinen uns endlich verstanden zu haben.... :-)
        Hallo Massimo.

    • Massimo Tore
      Massimo Tore sagte:

      Ich vergaß: Um Jazz spielen zu lernen, reicht es nicht aus, die Regeln zu kennen, aber das gilt auch für Funk, Pop oder klassische Musik. Die Regeln zu kennen (wie ich in einem anderen Beitrag in diesem Blog sagte), reicht nicht aus, um ein guter Musiker zu sein. Die Beziehung zwischen Tonleitern und Akkorden zu kennen, sagt nichts darüber aus, wie man eine gute melodische Linie konstruiert, und so weiter.

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