Tonale und dynamische Maskierung im Mix
Tonale und dynamische Maskierung im Mix
Jede Musikmischung ist ein einzigartiges Gleichgewicht, bei dem die Hierarchie der Elemente und das Management der tonalen und dynamischen Maskierung eine entscheidende Rolle spielen. Dieser Artikel führt Sie in die Kunst der Prioritätensetzung, der Optimierung der klanglichen Abstimmung und der Verbesserung der einzelnen Tracks ein, um eine klare, kohärente und musikalisch effektive Mischung zu erstellen.
Hierarchie der Mischelemente
Die Elemente des Mixes nehmen eine hierarchische Bedeutung an, die von Mix zu Mix unterschiedlich ist.
Diese Hierarchie hängt von vielen Faktoren ab, unter anderem von der Art der zu mischenden Produktion: Im Hip-Hop beispielsweise sind der "Beat" und der Gesang im Allgemeinen die wichtigsten Elemente.
Im Jazz ist das Ride "wichtiger" als der Kick, während "Raumeffekte" in der Ambient-Musik ein wichtiges Element und in anderen Genres absolut nebensächlich sind.
Die Bassdrum ist ein zentrales Element in der Tanzmusik, aber sie ist etwas weniger wichtig als die Snare in der Popmusik im Allgemeinen.
Es ließen sich noch so viele andere Beispiele anführen.
Um besser argumentieren zu können, sollten wir die Art der einzelnen Elemente und ihre Rolle im musikalischen Gesamtzusammenhang berücksichtigen und uns so eine Art spezifischer Hierarchie für jedes Musikstück vorstellen.
So ist beispielsweise der Leadgesang immer von primärer Bedeutung, aber auch der Text kann von erheblicher Wichtigkeit sein, so dass die Stimme, die einen "wichtigen" Text "erzählt" (z. B. beim Songwriting), deutlicher hervortreten muss als in anderen Kontexten, um eine maximale "Lesbarkeit" zu gewährleisten, während in anderen Fällen die Leadstimme vielleicht mehr in der Mischung untergeht.
Die relative Bedeutung der einzelnen Elemente beeinflusst die Art und Weise, wie wir sie mischen, sei es durch Pegel, Frequenzen, Effekte, Panning oder Tiefe.
Die Klärung dieser Hierarchie kann den Arbeitsablauf verbessern, indem weniger wichtige Prozesse minimiert werden, z. B. wenn man zu viel Zeit damit verbringt, den Klang eines Synthesizer-Akkord-Pads zu verfeinern, das in einer einzelnen Strophe mit sehr geringer Lautstärke verwendet werden soll.
Diese Priorität wird noch wichtiger bei "Closed-Budget-Produktionen", die sich durch eine im Voraus festgelegte "Stundenzahl" für den Mix auszeichnen; folglich müssen wir die Zeit, die wir jedem Element widmen müssen, entsprechend dieser Hierarchie und dem Schwierigkeitsgrad des Prozesses sehr verbindlich planen, zum Beispiel: 1 Stunde für die Bearbeitung des Schlagzeugs, 15 Minuten für den Bass, 1,5 Stunden für die Lead-Vocals usw. (natürlich muss jeder globale Einsatzplan mit einer verbindlich festgelegten Zeit ausreichend Raum für Unvorhergesehenes und Bedenken lassen).
Deshalb kann es von entscheidender Bedeutung sein, bei der Durchführung eines bestimmten Vorgangs zu bestimmen, wie wichtig er im Verhältnis zur Gesamtwirtschaftlichkeit des Stücks ist.
Wenn ich von Hierarchie spreche, will ich sicher nicht sagen, dass die Trompete wichtiger ist als die Gitarre oder ähnliches, sondern ich will damit sagen, dass jedes arrangierte und orchestrierte Musikstück musikalische Teile enthält, die entsprechend ihrer Rolle mehr oder weniger wichtig sind, unabhängig davon, welche Instrumente oder Stimmen sie spielen.
So gibt es bestimmte Musikstücke und -gattungen, in denen die harmonische Unterstützung wichtiger ist als die rhythmische und umgekehrt, aber im Allgemeinen sind die Kriterien, die die Hierarchie der musikalischen Teile bestimmen, für alle dieselben.
Warum sollte man, abgesehen von den oben genannten praktischen Gründen, eine Hierarchie aufstellen?
Bei der Orchestrierung eines Musikstücks gibt es zahlreiche Klangquellen, die klanglich und dynamisch miteinander konkurrieren, um innerhalb des Stücks einen "Raum der Hörbarkeit" zu erobern, was teilweise zu Lasten der anderen Quellen geht.
Um die einzelnen Quellen nicht zu verfälschen, ist daher ein mehr oder weniger tiefgreifender Eingriff in die Dynamik und die Gleichung erforderlich, um eine gute Anpassung anstelle einer bloßen Überlagerung zu erreichen.
Zu diesem Zweck eröffnen sich zwei verschiedene Einsatzmöglichkeiten:
- alle Quellen ein wenig proportional anpassen
- Maximale Klangqualität für die wichtigsten Elemente, wobei die weniger wichtigen Elemente tiefgreifenderen Eingriffen ausgesetzt werden, um sie den ersteren anzupassen
In den meisten Fällen bevorzuge ich den zweiten Ansatz, der es ermöglicht, die "wesentlichen" Elemente der Mischung zu respektieren und in höchstem Maße zu verbessern und den anderen Zutaten die weniger wichtige Aufgabe zu überlassen, die Mischung "aufzupeppen".
Es liegt auf der Hand, dass es zwischen diesen beiden Kriterien unendlich viele Abstufungen gibt, die je nach dem Klanginhalt des zu bearbeitenden Stücks mehr oder weniger angenommen werden können.
Hier ist ein Beispiel für ein hierarchisches Kriteriumdie als Inspiration für einige Bereiche der Popmusik und verwandter Genres dienen können:
Primäre Elemente
Sie sind in der Reihenfolge ihrer Bedeutung zu berücksichtigen:
- melodische Hauptelemente (beliebiger Solist: Gesang, Saxophon, Leadgitarre, Klavier usw.).
- Die markierenden und unterstützenden Elemente im Bass: Große Trommel, Kleine Trommel, HH, Bassgitarre
- das Hauptelement der rhythmisch-harmonischen Struktur (nur eines, z. B. Klavier, akustische Gitarre usw.).
- die übrigen Teile des Schlagzeugs oder die anderen wichtigen perkussiven Elemente (z. B. Congas und Bongos)
Sekundäre Elemente
Sie sind in der Reihenfolge ihrer Bedeutung zu berücksichtigen:
- sekundäre melodische Phrasierung (Hintergrundgesang, "obligate" Phrasierung von Holzbläsern, Streichern usw.)
- harmonische Elemente (z. B. Streicher- oder Bläserakkorde, Tasteninstrumente usw.)
- sekundäre rhythmische Elemente (Schlagzeug, Rhythmusgitarren usw.)
- andere musikalische Elemente
- nicht-musikalische Effekte
Dies ist keineswegs ein starres Kriterium, denn jeder Song hat sein eigenes "Rezept" mit einer bestimmten Gewichtung der Zutaten, und jedes Musikgenre außerhalb des Rock-Pop kann ganz andere Kriterien der "Hierarchie" erfordern.
Es ist zu bedenken, dass diese Kriterien nur dann in vollem Umfang anwendbar sind, wenn die Aufnahme mit Overdubs versehen wurde oder wenn die Klangunabhängigkeit zwischen den Tonspuren ausreichend groß ist, wie z. B. bei Kabelaufnahmen oder akustischen Aufnahmen in gut isolierten Boxen oder Räumen.
Bei großen klanglichen Einflüssen zwischen den Tracks kann man jedoch nicht streng hierarchisch vorgehen, sondern muss auf einem fast obligatorischen Weg eine Gesamtbalance anstreben, die den Mix wahrscheinlich in eine Dimension führt, die den ursprünglichen Aufnahmeproportionen näher kommt, um die klangliche Integrität aller Elemente zu wahren.
Das Kriterium der Hierarchie ist vor allem im Popbereich anwendbar, wo die Aufnahmen oft in Overdubs oder in isolierten Räumen oder über Kabel erfolgen.
In solchen Fällen wäre es ratsam, sich vor der endgültigen Abmischung auf die Erlangung einer wesentliche Mischungd.h. bestehend aus wenigen Grundelementen, mit denen ein nahezu vollständiger und überzeugender Mix erreicht werden kann.
Erst dann können die neuen Zutaten hinzugefügt werden, wobei mit der nötigen Sorgfalt vorzugehen ist, um das zuvor erreichte Gleichgewicht nicht zu stören.
Maskierung im Mix
Unter Maskierung versteht man die Fähigkeit eines Klangelements, ein anderes teilweise zu überdecken.
Je lauter also ein Element in der Mischung ist, desto deutlicher wird es wahrgenommen, allerdings auf Kosten der anderen.
Tonale Maskierung
Dies ist der Fall, wenn die maskierenden Elemente hauptsächlich im gleichen Tonwertbereich wie die maskierten Elemente liegen.
Der Wettbewerb um denselben Tonraum ist also die Grundlage der gegenseitigen Verdeckung.
Das Problem kann optimiert werden, indem die Elemente der Mischung komplementär angepasst werden, d. h:
- Hervorhebung spezifischer Tonbereiche bei jedem von ihnen
- Abschwächung der anderen Tonbereiche, um Platz für die anderen Elemente in der Mischung zu schaffen.
Dadurch wird jedes Element klarer und deutlicher dargestellt.
Dynamische Maskierung
Schlaginstrumente kommen und gehen, und die Spitzen sind von kurzer Dauer; ein Kick beispielsweise hat im Allgemeinen wenig oder gar keinen Klanginhalt zwischen den verschiedenen "Schlägen": Es ist daher unwahrscheinlich, dass ein "kurzer" perkussiver Klang, wie laut er auch sein mag, Klänge von langer Dauer überdecken kann; wir können sagen, dass er sich mit jedem "Schlag" für eine sehr kurze Zeit seinen Weg bahnt, in der er ein dynamisches Übergewicht (Lautstärke) zeigt, das es ihm ermöglicht, bei Bedarf hervorzutreten.
Schlaginstrumente konkurrieren in verschiedenen zeitlich begrenzten Momenten um den Klangraum, während andere Instrumente den Klang viel länger aufrechterhalten und somit ständig um den Klangraum kämpfen.
Ein Synthesizer-Pad und die Harmonien von Holzbläsern, Streichern und einem Chor, aber auch die Solo-Phrasierungen von Stimmen, Streichern, Holzbläsern und jeder anderen Klangquelle mit hoher Lautstärke erfordern mehr Aufmerksamkeit als perkussive Klänge, da jede ihrer Pegel-, Panning- oder Equalizer-Einstellungen einen größeren Einfluss auf das Ensemble hat, da sie über einen längeren Zeitraum bestehen bleiben.
Die Erhöhung der Lautstärke eines Pads führt sicherlich zu größeren Maskierungsproblemen als die Erhöhung der Lautstärke einer kleinen Trommel, die, selbst wenn sie das Pad maskieren würde, dies nur für sehr kurze, vernachlässigbare Zeiträume tun würde, die die Kontinuität der musikalischen Wahrnehmung des Pads nicht zerstören würden; wenn hingegen ein lautes Pad eine kleine Snare Drum maskieren würde, würde dies ständig geschehen und ein ernsthaftes Problem verursachen.
In diesem Sinne liegen Schlag- oder Zupfinstrumente aufgrund ihres Abklingens (im Allgemeinen weniger schnell als Schlaginstrumente) irgendwo dazwischen.
Aufgrund ihrer Eigenschaften können das Klavier und manchmal auch akustische Gitarren (beide in der Begleitung) einem Prozess der dynamischen Expansion unterzogen werden, der die Teile mit der prägnantesten Darbietung stärker zur Geltung bringt, während die anderen gedämpft werden.
Auf diese Weise würde ihre Maskierungskraft in vielen Momenten reduziert werden, um die anderen Elemente des Mixes besser zur Geltung zu bringen.
Rahmung zur Definition
Eine gute tonale Kopplung ermöglicht dann eine maximale Definition der musikalischen Teile des Arrangements und des Gesamtklangs der Mischung.
Wir möchten klarstellen, dass die Maskierung eines Elements einfach dadurch gelöst werden kann, dass die Lautstärke des Elements, das wir hervorheben möchten, erhöht wird; wenn wir so vorgehen, besteht jedoch die Gefahr, dass die anderen Elemente noch mehr maskiert werden.
Man kann auch versuchen, dem zu verstärkenden Element einen Hauch von harmonischer Sättigung zu verleihen, um Obertöne in einem ansonsten unzureichenden Tonbereich zu erzeugen. Dies funktioniert vor allem bei Quellen mit niedriger und mittlerer Textur (Bass, E-Gitarrenakkorde, Synthesizer mit niedriger Textur).
Wie kann die tonale Verflechtung verbessert werden?
Analyse der Maskierung
Wie wir gesehen haben, müssen wir zunächst zwischen impulsiven, kurzen Klängen (wie Schlagzeug) und weichen, langen Klängen (wie Stimmen und Streicher) unterscheiden.
Die kleine Trommel beispielsweise kann einen wesentlichen Tonumfang haben, der dem der Leadstimme sehr nahe kommt, aber ihre kurze Dauer erlaubt es ihr nicht, letztere in nennenswertem Umfang zu überdecken.
Eine Gitarre, ein Klavier und ein Keyboard-Pad, die während des gesamten Liedes kontinuierlich zusammen spielen und etwa dieselben Oktaven der Ausdehnung verwenden, würden dagegen sicherlich miteinander konkurrieren, um sich einen definierten Klangraum im Mix zu schaffen.
Im Allgemeinen würde die tonale Überlappung in den hohen Tonbereichen weniger Maskierung und Verwirrung verursachen als in den niedrigen Tonbereichen.
Untersuchen wir, was in den verschiedenen Bändern geschieht.
In den unteren Frequenzbändern (zwischen 20 und 80 hz) Glücklicherweise kommen nur wenige Klangelemente zum Ausdruck: In Rock-Pop-Kontexten beispielsweise finden wir im Wesentlichen die Bassgitarre (langer Klang mit weicher Anfangsspitze) und die Große Trommel (kurzer Klang mit impulsiver Spitze) sowie gelegentlich die Pauke des Schlagzeugs; daher wird es in dieser potenziell kritischen Band in Rock-Pop- und verwandten Kontexten ausreichen, eine gute klangliche Übereinstimmung zwischen der Großen Trommel und dem Bass zu erzielen.
Der Tonbereich zwischen 80 und 500 Hertz ist vielleicht sogar diejenige, die am meisten zu Problemen mit tonaler Maskierung neigt, da sie einen großen Teil der Kritikalität des unteren Bereichs beibehält, aber mit "konkurrierenden" Klangquellen vollgepackt ist.
Da wir keine impulsiven Laute, sondern nur lange und "aufrechterhaltene" Laute in Betracht ziehen, sind wir der Ansicht, dass man in diesem Bereich auch Töne findet:
- die Grundtöne bestimmter Basstöne und ihre wichtigsten natürlichen Obertöne
- die tiefen und mitteltiefen Töne von Instrumenten wie Gitarren (elektrisch und akustisch), Klavier und die "Pads" von Keyboards und Streichern
- die Grundlagen und ersten Obertöne von Solisten wie Gesang, Saxophon, Leadgitarre
Der Tonbereich zwischen 500 hz und 5000 hz unterliegt ebenfalls, wenn auch in geringerem Maße, demselben Problem der tonalen Überschneidung,
Das obere Ende schließlich leidet etwas weniger, nicht zuletzt, weil es nur wenige Elemente geben wird, die sich massiv äußern können zwischen 5.000 und 20.000 hzso dass dieser Bereich zwar immer noch mit den natürlichen Obertönen und verschiedenen Obertönen aller Klangelemente gefüllt ist (die wir in bestimmten Tracks auch ganz weglassen können), aber im Wesentlichen nur von sehr hellen und subtilen Elementen wie Schlagzeugbecken, der Triangel und anderen ähnlichen Elementen belegt wird.
Tonale Verzahnung
Methoden zur Optimierung der tonalen Einbettung sind all jene, die darauf abzielen, nützlichen tonalen Raum für andere Klangquellen freizumachen.
Es handelt sich also um einen operativen Dekalog:
- Beseitigung von Tonbändern unterhalb des tiefsten vom Element ausgeführten Grundtons
Dies kann mit Hilfe eines Hochpassfilters (HPF) oder seines funktionalen Gegenstücks Low-Shelving-Eq erreicht werden.
Es muss klar sein, dass unterhalb des Grundtons manchmal auch Geräuschelemente vorhanden sind, die für den Klangbrei funktional sind und die mit einer Standardneigung von 6-12 db/Okt. bei einer dünnen Mischung abgeschwächt oder sogar mit einer drastischen Neigung von 24-60 db/Okt. bei einer dichten Mischung im tiefen und/oder mitteltiefen Bereich eliminiert werden können.
- Eliminierung der höheren Tonbereiche
Dieses Verfahren ist insofern riskant, als es einige der natürlichen Obertöne und anderen Obertöne der Quellen abschneidet. Daher sollte dieses Verfahren nur für die "dunklen" Elemente angewandt werden, die in solchen Bands nicht funktional zum Ausdruck kommen, wie z. B. Bassdrum, Bassgitarre, Tomtoms und einige andere.
Die Grenzfrequenz sollte in geeigneter Weise gewählt werden, auch unter Berücksichtigung der klanglichen Verdrängung im Superhochtonbereich, indem ein Tiefpassfilter mit mittlerer bis mittlerer Flankensteilheit (6 bis 18 db oct) und einer Grenzfrequenz zwischen 5 und 12 kHz verwendet wird.In jedem Fall ist es sinnvoll, Frequenzen oberhalb von 20.000 Hz in jeder Spur und in jedem Bus abzusenken, sogar mit einer drastischen Steigung von beispielsweise 48 db oct.
Dies sollte dazu beitragen, das Risiko von Aliasing, d. h. der Erzeugung unerwünschter Obertöne im Tief- und Mitteltonbereich infolge der Überschreitung einer Frequenz, die halb so hoch ist wie die für das Sampling in der DAW-Session verwendete, drastisch zu verringern (z. B. sollte der Cut bei 48 Khz Sampling deutlich unter 24 Khz liegen, so dass ein Cut von 20 Khz völlig ausreicht).
Bei Verwendung höherer Abtastfrequenzen (z. B. 192 Khz) ist das Aliasing-Problem natürlich viel weniger relevant, und das Ultraschallschneiden wird zu einer vernachlässigbaren Praxis.
Denken Sie daran, dass die Beseitigung von harmonischen Unterwanderungen im Tieftonbereich als Folge von Aliasing neben einer leichten Verzerrung der Klangfarbe und einer gewissen Dysphonie zu einer größeren klanglichen Sauberkeit und Definition führt und somit zur Begrenzung von Maskierungsursachen beiträgt.
- Abschwächen der tiefen Töne von mehrstimmigen Begleitinstrumenten
Wir sprechen von den Instrumenten, die einen Solisten begleiten, wie z. B. Gitarren, Klavier, ein Keyboard-Pad oder eine Streicherharmonisierung.
Oft reicht ihre Ausdehnung bis zu den Frequenzen, in denen das Bassfundament zum Ausdruck kommt (sie können meist zwischen 30 und 170 Hz arbeiten und erreichen gelegentlich 200-240 Hz.
Um übermäßige Überschneidungen im Bassbereich zu vermeiden, ist oft eine leichte, aber progressive Abschwächung der überlappenden Frequenzen angebracht, die mit einem Low-Shelving-Eq zwischen 150 und 300 hz mit einem Abschwächungsgrad von 6 db oct oder noch mehr durchgeführt wird
Die Bestimmung der Flankensteilheit und der Frequenz kann nach Gehör erfolgen, hängt aber weitgehend von der tatsächlichen Ausdehnung der Bassstimme ab, die in dem jeweiligen Stück, an dem man arbeitet, festgestellt wird (wenn die Basslinie beispielsweise zwischen D 74 hz und B 124 hz liegt, ist es ratsam, eine entsprechend niedrige Grenzfrequenz zu wählen, um kein Frequenzband unbedeckt zu lassen und ein klangliches "Loch" zu schaffen.
Die Verwendung von statischem Eq zur Verringerung der gegenseitigen Maskierung zwischen einem Klavier (links) und einer Gitarre (rechts). Beide Instrumente wurden zuvor durch eine vorgelagerte Entzerrung (mit anderen Equalizern) optimiert, so dass hier nur die anschließenden Demaskierungsoperationen während der Mix-Entzerrung zu sehen sind. Die musikalischen Teile der beiden Instrumente wurden gleichzeitig gespielt, und beide wurden mit mittlerer Ausdehnung gespielt, so dass sie dazu neigten, sich gegenseitig teilweise zu verdecken. Zunächst wurden die Frequenzen unterhalb von 80 Hz und oberhalb von 20 Khz abgeschnitten und die Frequenzen unterhalb von 300 Hz leicht und progressiv abgeschwächt. Anschließend wurde das 1200-Hz-Band im Klavier angehoben und in der Gitarre abgeschwächt; ebenso wurde das 4400-Hz-Band in der Gitarre angehoben und im Klavier abgeschwächt; letzteres erhielt schließlich eine brillante Anhebung um 7 Khz. Um die Demaskierung abzuschließen, wurde beschlossen, das Klavier und die Gitarre symmetrisch auf die gegenüberliegenden Stereokanäle (40% L und 40% R) aufzuteilen.
- Verteilen Sie Quellen mit ähnlichem Tonumfang unterschiedlich auf der Stereofront
Wenn zum Beispiel ein Stereo-Synthesizer-Pad, ein Klavier und eine akustische Gitarre einen Solisten begleiten, die auf demselben Frequenzband spielen, besteht eine typische Lösung darin, jedem dieser Elemente eine entgegengesetzte Position auf der Stereofront zuzuweisen.
Das könnten wir zum Beispiel:
- Platzieren Sie das Pad in der mittleren Position gegenüber dem Pan-Pot der beiden Kanäle L und R, mit maximaler Öffnung bei 100% von L und R;
- Stellen Sie die Gitarre am 50% auf den linken Kanal und das Klavier am 50% auf den rechten Kanal.
Solche Winkelstellungen des Klaviers und der Gitarre könnten bis zum 85-90% in Richtung L oder R drastischer werden (mit weiteren Verbesserungen bei der klanglichen Einbettung), aber dann müssten solche Quellen in Stereo stark verhallt werden, um die Atmosphäre des "in die Enge getriebenen" Elements über die gesamte Stereofront zu verteilen.
- Komplementäre Abschwächung und Verstärkung von Tonwertbereichen
Nehmen wir als Beispiel ein Klavier und eine Gitarre, die parallel eine Begleitlinie spielen: Bei einem dieser Instrumente könnte es sinnvoll sein, (z. B.) den mittelhohen Tonbereich zu verstärken und die Mitten abzuschwächen, und dann mit der anderen Quelle genau das Gegenteil zu tun, nämlich die Mitten zu verstärken und die Höhen abzuschwächen.
- Verwendung eines Multiband-Kompressors
Anstelle des statischen Equalizers oder zusätzlich zu seiner Wirkung ist es oft besser, mit einem dynamischen Equalizer (in Form eines Multiband-Kompressors) zu arbeiten, um ein effektiveres Ergebnis zu erzielen, ohne die Originalklänge zu verzerren.
Es reicht aus, die kritische Tonspanne, die von mehreren Elementen gemeinsam genutzt wird, zu identifizieren, um sie zu begrenzen, wenn sie in dem einen und dem anderen Element unabhängig voneinander einen bestimmten Schwellenwert überschreitet.
Durch den Einsatz eines Multiband-Kompressors kann das tonale Band nur an seiner Spitze und nur so weit wie nötig abgeschwächt werden, ohne das perfekte tonale Gleichgewicht zu verändern, das bei der vorläufigen Entzerrung der einzelnen Elemente erreicht wurde.
- Ein tonales Band für den Solisten graben
Diese Anordnung erlaubt es, dem Solisten mehr tonalen Raum zu geben, um ihn stärker in die Mischung einzubinden, ohne jedoch seine Definition zu beeinträchtigen, wodurch viel Platz für andere sekundäre Elemente frei wird.
Konkret geht es darum, in den Elementen, die den Solisten stören, den Bereich abzuschwächen, der dem Grundton und den ersten Obertönen (200-1000 Hz, je nach Stimmtyp und Einzelfall) oder dem "Vokalformant" (um 2500 Hz) entspricht.
Wenn man ein Element auf einem Mittelband aushöhlt, um Platz für ein anderes Element zu schaffen, wird man in vielen Fällen das Bedürfnis verspüren, dies durch die Anhebung eines benachbarten Bandes des gedämpften Elements auszugleichen.
De-Maskierungseingriff für ein Quartett (weiblicher Gesang begleitet von akustischer Gitarre, E-Bass und Schlagzeug). Vor diesem Eingriff wurden die beiden Spuren zunächst mit dem üblichen vorläufigen Entzerrungsprozess ausgeglichen. Bei der Gitarre (linker Eq) wurden die Bässe unterhalb von 75 Hz und die Höhen oberhalb von 20 Khz abgesenkt. Der Mitteltonbereich mit breitem Q (o,50) wurde ebenfalls abgeschwächt, um Platz für die Stimme (rechter Eq) zu schaffen, die auf demselben Band angehoben wurde. Bei den Stimmen wurden die 350 hz, die etwas matschig klangen, abgeschwächt, auch um Platz für den sehr angenehmen natürlichen Bass der Gitarre zu schaffen, der nach dem Herausnehmen der Mitten zum Vorschein kam. Nach dieser Absenkung klang die Gitarre etwas dumpf, was aber zusammen mit der Stimme einen besonderen" Zauber erzeugte. Der Stimme wurde auch Brillanz verliehen, indem 10 Khz angehoben, aber oberhalb von 15 Khz abgesenkt wurden, was auch der Tonbereich ist, in dem die Gitarre eine Anhebung erhielt, die notwendig war, um die Dämpfung der Mitten zu kompensieren. Dies führte zu einer exzellenten klanglichen Anpassung, die es der Stimme ermöglichte, sich gut in die Gitarre einzufügen, ohne selbst in den leisesten Tönen übersteuert zu werden, und die die dynamische Kontrolle beim anschließenden Mastering erleichterte.
- Sekundäre Quellen mit einem Side-Chain-Kompressor einschließen
Dieses Mittel ist besonders effektiv, wenn die Pilotspur des Side-Chain-Kompressors der Solist des Liedes ist; es erlaubt, die Lautstärke der sekundären Elemente, die den Solisten stören, zu reduzieren, um ihm in den einzigen Momenten, in denen er aktiv ist, mehr dynamischen Raum zu verschaffen.
Auf diese Weise wird die durchschnittliche Lautstärke des Solisten auf einem niedrigeren Niveau gehalten, was wiederum klanglichen Freiraum für andere Elemente schafft.
Um das Auftreten eines Pumpeffekts des gedämpften Elements zu vermeiden (d.h. einen zu schnellen Anstieg der Lautstärke nach der Kompression), ist es notwendig, die Wirkung des Kompressors in einem Bereich von etwa 2 db (maximal 3) zu begrenzen und die Attack- und Release-Geschwindigkeit so zu dosieren, dass eine maximale Wirksamkeit erzielt wird, ohne jedoch den Kunstgriff hervorzuheben; man kann es zunächst mit einem Attack von 50 ms und einem Release von 100 ms versuchen und dann versuchen, diese Werte zu variieren, bis man das natürlichste Ergebnis erhält.
Durch das Side-Chaining mit einem Multiband-Kompressor kann die Effektivität noch weiter verbessert und die durch die Kompression erzeugten Artefakte begrenzt werden, indem das Plug-in so eingestellt wird, dass beispielsweise eine maximale Dämpfung von 3 db in dem betreffenden Tonband (im Allgemeinen um 3000 Hz) und eine geringfügige (oder gar keine) Dämpfung in den anderen Tonbändern erreicht wird.
- Diversifizierende Elemente in der Tiefe
Wenn ein Soloelement teilweise durch ein sekundäres Element verdeckt wird, kann man auch versuchen, letzteres von der Präsenzzone auf der Vorderseite wegzubewegen, indem man alle bereits für dieses Ergebnis vorgeschlagenen Parameter verwendet, d.h.: die direkte Lautstärke verringern, die Lautstärke von Echos und Hall erhöhen (manchmal sogar die Stereo-Offenheit der letzteren etwas übertreiben), die hohen und tiefen Frequenzen etwas absenken, die Transienten mit einem Kompressor abschwächen, usw.
Auf diese Weise kann das Element, das durch die Lautstärke benachteiligt wurde, um das andere hervorzuheben, dank des Stereohalls in der "Diffusion" hervorstechen und einen gewissen "Präsenz"-Raum frei lassen.
- Verwendung von Verriegelungsvorrichtungen
Dies ist keine Spielerei, aber ich wollte es erwähnen, um ein wichtiges Konzept zu betonen: Ein gut geschriebenes Arrangement würde erfordern, dass die musikalischen Teile "ineinandergreifend" geschrieben werden, d.h. dass der Rhythmus der Phrasen und Akzente angemessen durchsetzt wird und dass verschiedene Bereiche für die sich überschneidenden Elemente verwendet werden (z.B. verschiedene Oktaven, entsprechend dem Diktat einer guten Orchestereinteilung).
Auf diese Weise würde die Definition der Teile bereits an der Basis erfolgen, indem nur die Elemente des "musikalischen Schreibens" verwendet werden, da die musikalischen Teile dann immer eindeutig wären, ohne dass man nach "Strohhalmen" greifen müsste.
Leider werden diese Techniken nur von Komponisten, Orchestratoren und Arrangeuren mit hoher musikalischer Kultur beherrscht und sind daher in der Popmusik oft Mangelware, in der sich neben einigen sehr guten Musikern auch zu viele Produzenten mit wenig musikalischem Hintergrund versuchen.
Es muss jedoch eingeräumt werden, dass sich auch in populären Genres (z. B. im gut gemachten Rock) Konzepte, Gepflogenheiten und Konventionen der "Orchestrierung" allmählich durchgesetzt haben, so dass die Klangelemente in den besten und ausgereiftesten Produktionen und mit der Entwicklung des Stils zufriedenstellende und funktionale "ineinandergreifende" Kriterien für den spezifischen Ausdruck dieses musikalischen Genres erreicht haben, wodurch auch der Ausdrucksstil reift.
Dynamisches Stellwerk
Um eine lebendige und interessante Mischung zu erreichen, sollten die dynamischen Ausdrucksformen der Darbietungen in höchstem Maße erhalten bleiben.
Es muss gesagt werden, dass der dynamische Ausdruck auf dynamisch kohärenten und ausdrucksstarken Darbietungen beruhen sollte, die möglichst nach einem ineinandergreifenden Kriterium konzipiert sind.
Wenn beispielsweise die simultanen Klavier- und Gitarrenparts, die beide auf dem mittleren Register beharren, so gestaltet wären, dass sie sich abwechseln (anstatt sich zu überlappen), würden sich die dynamischen Akzente der beiden Instrumente an unterschiedlichen Stellen manifestieren und wesentlich zur Definition der Parts beitragen, ohne zu viel Platz im Mix zu beanspruchen.
Leider wird bei übermäßig aufgezeichneten Aufführungen die expressive Dynamik oft durch das fehlende Zusammenspiel der Musiker zunichte gemacht, es sei denn, sie sind besonders erfahren oder werden von einem guten künstlerischen Leiter geführt.
Beim Abmischen kann es daher vorkommen, dass wir vor Tracks stehen, die mit ausdrucksstarker Dynamik vorgetragen werden, oder vor dynamisch "flachen" Tracks, bei denen es sehr schwierig (wenn nicht gar unmöglich) ist, einen Hauch von dynamischer Lebendigkeit wiederherzustellen.
Respekt vor der Dynamik
Vorbei sind die Zeiten des "Loudness-Kriegs", als man sich beeilte, Tracks, Busse und Master übermäßig zu komprimieren, um die Lautstärke ihrer Tracks auf CD- und Radio-Compilations durchzusetzen.
Heute, im Zeitalter des Streaming, hat diese extreme Tendenz keine große Bedeutung mehr, und es ist auf jeden Fall angebracht, dem Mastering neben seinen anderen Aufgaben auch die Aufgabe zu überlassen, die Lautstärke des Masters angemessen zu finalisieren.
Die Praxis der maximalen Komprimierung von Mastern wird jedoch von vielen Betreibern beibehalten, mit Ergebnissen, die ich persönlich fast immer bedauerlich finde.
Die Aufgabe der Kompression
Heutzutage ist die Komprimierung also nicht mehr erforderlich, um dem Titel auf dem Tonträger "Volumen" zu verleihen, sondern sie muss vielmehr einige wenige, aber weitaus wichtigere Anforderungen erfüllen:
Zweck der Modellierung
die Intensitätsverhältnisse zwischen dem Einschwingen und dem Ausklingen von Klängen nach Belieben zu gestalten, indem eines der beiden im Verhältnis zum anderen verstärkt oder abgeschwächt wird; selbstverständlich ist diese Vorgehensweise nicht unbedingt erforderlich, kann aber bestimmten kreativen Bedürfnissen entsprechen, die darauf abzielen, bestimmte Darbietungen weicher oder im Gegenteil aggressiver zu gestalten; ein weiterer Modellierungseffekt des Kompressors besteht, wie wir noch sehen werden, darin, den parallelen Klon eines Tracks übermäßig zu komprimieren, um ihn mit dem Original so zu dosieren, dass die Umgebungsfarben des Takes durch diese Art der Kompression härter, schlammiger und reicher wirken
Zweck der Nivellierung
die zugrunde liegenden musikalischen Teile besser zu definieren, insbesondere bei sehr dichten Mischungen; die Kompression soll die bereits mit den Lautstärkereglern durchgeführte Arbeit der Nivellierung der Lautstärke unterstützen; diese Nivellierung kann einerseits durch die Eindämmung übermäßiger Spitzen und andererseits durch die Verstärkung zu schwacher Schallemissionen erreicht werden; um die maximale dynamische Ausdruckskraft zu erhalten, ist es jedoch erforderlich, die Eingriffe so gering wie möglich zu halten.
Um optimale Ergebnisse zu erzielen, ist es oft besser, die Detailarbeit durch sorgfältige Lautstärkeregelung mit den Fadern durchzuführen, als die Kompression zu missbrauchen.
Durch den geschickten Einsatz der oben erwähnten Anti-Masking-Techniken kann oft auf die Nivellierungskompression verzichtet oder diese eingeschränkt werden, wobei die ursprüngliche dynamische Ausdruckskraft erhalten bleibt;
Zweck der Verklebung
eine klangliche und dynamische Verbindung zwischen den verschiedenen Quellen zu schaffen, was zu einer größeren "klanglichen Kompaktheit" führt, die in einem je nach Musikgenre zu definierenden Ausmaß zu dosieren ist;
Jedes Musikgenre erfordert mehr oder weniger Klangverleimung; dieser Bedarf ist am höchsten in den Tanz- und Hip-Hop-Genres, er ist in den Rock- und Pop-Genres im Allgemeinen ziemlich ausgeprägt, mittelmäßig in expressiven modernen Genres wie Fusion und in modernem Folk und Jazz, er ist minimal oder sogar nicht vorhanden in puristischen Genres wie klassischer Musik und traditionellem Jazz
Dieses Aufkleben sollte hauptsächlich in der Mastering-Phase erfolgen, aber in bestimmten Fällen kann es in bestimmten Gruppen von zusammenhängenden Tracks angeordnet werden, um in ihnen eine bestimmte Klangidentität vorzugeben, die für den "Sound" des Tracks funktional ist
Es geht also nicht darum, dem Lied durch die Kompression mehr Volumen zu verleihen, sondern vielmehr darum, die Wirkung in den verschiedenen Phasen zu dosieren, um einen spezifischen Klang zu erhalten, der dem Kontext des Musikgenres angemessen ist.
Jede übermäßige Komprimierung verringert nämlich das Pathos der Darbietungen bis hin zu einem flachen und "langweiligen" Mix; aus diesem Grund muss auch beim Mastering darauf geachtet werden, dass die von der Musikindustrie geforderte Ziellautstärke erreicht wird, ohne die dynamische Ausdruckskraft zu zerstören.
In bestimmten Fällen (z. B. bei zu flachen Darbietungen oder bei Aufnahmen, die mit starken Eingangskompressionen gemacht wurden) wird es, wie wir sehen werden, sogar notwendig sein, einen umgekehrten Expansionsprozess zu versuchen, um eine Dimension mit größerer dynamischer Lebendigkeit zu schaffen oder wiederzuerlangen.
Wie wir sehen werden, ist dieses Verfahren in einem Mix fast unmöglich, während es oft gelingt, einen einzelnen Track oder ein nicht zu dichtes perkussives Ensemble zu beleben.
Ein Expander, der eingestellt wurde, um einer uninspirierten Congas- und Bongos-Performance etwas mehr Lebendigkeit zu verleihen. Die Dynamik der Darbietung wurde an nicht akzentuierten Stellen leicht zurückgenommen, gerade genug, um ein prägnanteres Portamento zu erreichen, ohne jedoch hörbare Artefakte zu erzeugen. Mit einem Threshold von 0db und sofortigem Attack wurde der gesamte Dynamikbereich des Tracks erweitert; die Dämpfung hielt sich dank des Range-Reglers innerhalb von 4 db.
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