El enfoque mental para una mezcla de audio eficaz

Prólogo: ¿Para qué sirve la mezcla de audio?

Muchos podrían dar por sentada la respuesta a esta pregunta. Sin embargo, tanto en algunos seminarios como en conversaciones con diversos profesionales del sector, me he encontrado con numerosos malentendidos sobre las verdaderas intenciones de la mezcla. En consecuencia, intentaré condensar en este espacio lo que, en mi opinión, son los fundamentos de la mezcla.

Antes de entrar de lleno en este tema, es esencial subrayar un aspecto clave que no todo el mundo parece comprender del todo: la calidad de las interpretaciones musicales es el pilar en el que se basa el éxito sonoro, incluso antes de la fase de mezcla.

Por "calidad de la interpretación" me refiero a:

• El uso de instrumentos musicales de primera calidad, afinados con maestría para eliminar cualquier imperfección acústica como dominantes tonales, deficiencias o discontinuidades de frecuencia, afinación precisa, equilibrio dinámico y eliminación de ruidos mecánicos relacionados con la interpretación, con el uso de cuerdas o pieles nuevas y de buena calidad.
• Precisión de ejecución en cuanto a tempo, aplomo y modulación dinámico-expresiva.
• El patetismo transmitido por los artistas durante las actuaciones.

Nota

Aunque parezca obvio, hay que dejar claro que los problemas mencionados no pueden resolverse durante la fase de mezcla, a la que incluso las intervenciones de los ingenieros de sonido más experimentados y cualificados sólo pueden aportar una mejora marginal. Para conseguir un producto de alta calidad, es esencial que tanto las interpretaciones musicales como la preparación de los instrumentos se hayan realizado con extrema precisión y cuidado, ya que los milagros técnicos no son posibles.

También es vital comprender que, aunque la mezcla puede refinar el sonido, no tiene la capacidad de alterar el enfoque de la interpretación ni de transformar radicalmente el timbre de un instrumento en otro con características sonoras distintas y diferenciadas. Por ejemplo, no será posible convertir el timbre de una batería de jazz en uno adecuado para el heavy metal, ni una técnica de interpretación de jazz podrá emular un sonido típico de rock.

Por lo tanto, es imperativo que el ingeniero de sonido aclare rápidamente estas limitaciones a los músicos, especialmente a los menos experimentados, antes de embarcarse en retos irrealizables destinados a generar resultados decepcionantes.

Esto implica que las decisiones artísticas y sonoras que tienen un impacto significativo en el tono general y la identidad de una mezcla deben tomarse antes o durante las fases de grabación, en lugar de durante la propia mezcla.

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Definiciones y funciones de la mezcla

La mezcla puede definirse básicamente como un proceso en el que el material de audio multipista, ya sea grabado, muestreado o sintetizado, se equilibra, procesa y finalmente se fusiona en una mezcla para generar un producto de audio accesible tanto para los consumidores finales como para la industria discográfica. Este producto puede presentarse en formatos de audio multicanal o, más comúnmente, en estéreo, y grabarse en soportes digitales (archivos de cinta magnética, CD o dispositivos de memoria) o analógicos (cinta magnética o vinilo).

Una definición de mezcla más accesible pero igualmente crucial sería la siguiente:
"El mensaje debe permitir la manifestación de emociones e ideas creativas de carácter musical a través de interpretaciones de alta calidad que las transmitan".

Dado el importante papel de la mezcla a la hora de determinar el éxito de un álbum o un single, podemos afirmar que:

• una mezcla de calidad puede intensificar el impacto emocional de una pieza musical, haciéndola más atractiva y aumentando sus posibilidades de resonancia popular;
• una mezcla mal ejecutada tiene el poder de deteriorar una pieza de gran valor y limitar gravemente sus perspectivas de éxito.

Con el aumento del uso de auriculares de alta calidad, una amplia gama de oyentes ha desarrollado un aprecio por la calidad del sonido, convirtiéndola en un requisito fundamental de una mezcla. Esto se consigue reduciendo el enmascaramiento del sonido, mejorando la definición, realzando la dinámica, equilibrando el balance tonal y los volúmenes, etc.

Las cuatro funciones técnicas básicas de la mezcla pueden resumirse del siguiente modo:

1. Función correctora:
   • Corregir y resolver las imperfecciones tonales y dinámicas de los instrumentos.
   • Reducir los errores de los intérpretes relacionados con la entonación, la sincronización y los derivados de la escasa interacción (interplay) que se produce durante las grabaciones multipista (es decir, cuando no cantan y tocan todos a la vez, sino que se procede por partes).
2. Función acústica:
   • Reducir los problemas acústicos y ambientales surgidos durante la grabación.
3. Optimización de la función:
   • Mejore la calidad de los sonidos grabados mediante el uso adecuado de procesadores de tono, dinámica y simulación de entorno.
4. Función creativa:
   • Contribuir a la alquimia sonora trazada por los músicos, realzando la música, la intención interpretativa, la expresión de la pieza e introduciendo sonidos únicos y distintivos, siempre que sea posible.

Cada función desempeña un papel crucial en el proceso de mezcla y contribuye a perfeccionar y mejorar la representación sonora final de la canción o el álbum.

Arte y técnica de la mezcla

Hay quienes cometen el error de percibir la mezcla exclusivamente como una tarea puramente técnica, considerándola en este sentido una mera intervención rutinaria; algunos van aún más lejos, considerándola un mero medio para corregir y recuperar grabaciones defectuosas.

Es innegable que la mezcla implica la aplicación de numerosas técnicas: equilibrar volúmenes, domar dinámicas desiguales y corregir frecuencias inadecuadas son sólo algunos de los retos a los que se enfrenta un ingeniero de sonido.

Sin embargo, es bueno saber que, con una formación disciplinada, la mayoría de la gente puede adquirir un dominio suficiente de la práctica técnica de la mezcla; es como decir que, después de "comprimir" o "ecualizar" cientos de pistas de audio diferentes, cualquiera debería ser capaz de realizar esta tarea con un cierto nivel de competencia.

Pero es fundamental comprender que la mezcla va más allá de la mera técnica; es un arte en el que la intuición y la creatividad desempeñan un papel crucial a la hora de interpretar y realzar el mensaje emocional y la intención artística de la canción, fundiéndolos en una armonía cohesiva y expresiva.

Entonces, ¿cómo se puede dar un salto cualitativo en el planteamiento de la mezcla?

Soñar con la mezcla

Tener en mente una visión previa de la mezcla constituye sin duda una de las principales diferencias entre el principiante y el experto: mientras que el principiante modela los sonidos por ensayo y error, el experto primero los imagina y luego los realiza de forma más o menos expeditiva durante las operaciones de mezcla, ajustando los controles técnicos con confianza.

Las habilidades técnicas son muy importantes, pero pueden adquirirse: sin embargo, la verdadera esencia de la mezcla, que es su componente "artístico", no reside en estas habilidades. Muchas mezclas son técnicamente excelentes, pero nada más; del mismo modo, muchas mezclas pueden no ser técnicamente impecables, pero como experiencia auditiva son "impresionantes".

Podemos decir que es un poco como un intérprete musical: es por la creatividad inherente que va mucho más allá del equilibrio técnico por lo que algunas mezclas son muy aclamadas y sus creadores considerados "maestros visionarios" del sonido. La parte no técnica de la mezcla consiste en crear la sonoridad general que envuelve la música: dar forma a los sonidos, definir los "horizontes acústicos", coordinar la armonía entre los elementos del paisaje sonoro y construir un paisaje sonoro de gran impacto emocional. Todo depende de las decisiones creativas, el talento y la "visión de conjunto" de cada ingeniero de sonido: cada elección tendrá una profunda influencia en cómo percibirá la música el oyente.

Esta visión puede luego traducirse en la práctica a través de la ecualización que fijemos, la reverberación que elijamos, la incisividad de los transitorios que determinemos con el compresor, etcétera. En pocas palabras: no hay una forma correcta o incorrecta de hacer las cosas, y por lo tanto la información técnica estándar que uno adquiere con la experiencia puede ser ciertamente útil para orientarse, pero el camino a seguir debe decidirlo y trazarlo cada ingeniero de sonido por su cuenta, según su propia naturaleza.

Una guitarra acústica, un bombo o cualquier otro instrumento pueden afinarse de muchas formas distintas y todas podrían considerarse técnicamente correctas, pero en distintos contextos unas resultarán más interesantes que otras. Una mezcla es como un retrato fotográfico de la música: muchas tomas diferentes representarán siempre el mismo tema, pero sólo ciertas tomas y ciertos "cortes de luz" tendrán "encanto", y sin duda uno de ellos lo tendrá más que los demás. Una mezcla excelente es a la vez un arte del sonido y de la comunicación.

Por tanto, un "ingeniero de mezclas" está llamado a convertirse en un "artista del sonido", porque mezclar es técnica, pero también es arte.

Una de las funciones del ingeniero de mezclas, así como su gran responsabilidad, es ayudar a transmitir el mensaje emocional contenido en una pieza musical, realzándolo; ésta es la primera noción que hay que adquirir para favorecer el enfoque correcto de la mezcla. Desde el plan general de la mezcla hasta los más pequeños matices de reverberación, un uso inspirado de las herramientas técnicas y expresivas a disposición del ingeniero puede realzar o incluso a veces crear sugerencias de fuerza, agresividad, suavidad, melancolía y muchas otras; o puede destruir o entorpecer la emoción creada por los intérpretes, trivializándola y ofuscándola.

Por lo tanto, es necesario comprender que la mezcla no es sólo un conjunto de desafíos técnicos, sino un proceso destinado a converger hacia una visión global de la mezcla que sea la síntesis de los esfuerzos expresivos de todas las partes implicadas: composición, arreglo, interpretación ejecutiva y mezcla, entendida como una construcción sonora consonante con todo el proceso del equipo creativo. Estas consideraciones deberían ayudar a encender la luz del talento en quienes se acercan a esta disciplina, haciéndoles dar un "salto cuántico" en la conciencia sobre la tarea del ingeniero de mezclas.

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Escuchar y afrontar la diversidad

Para comprender la importancia de la singularidad y la diversidad en la mezcla, he aquí un experimento educativo: seleccionar una variedad de pistas consideradas bien mezcladas y, de cada una de ellas, considerar un breve fragmento representativo, para luego crear un montaje único que represente un collage de todos los fragmentos. Es probable que esta experiencia ponga de relieve las diversas interpretaciones y decisiones de los ingenieros de sonido, mostrando una gama de equilibrios sonoros, algunos de los cuales pueden diferir considerablemente.

Aunque desorientador, este ejercicio también puede ser tranquilizador, ya que demuestra que se pueden conseguir resultados agradables y eficaces mediante distintos enfoques del sonido. Pone de relieve la importancia de la singularidad y la creatividad en la mezcla y destaca cómo los distintos equilibrios tonales, dinámicos y ambientales pueden ayudar a crear experiencias auditivas únicas y memorables.

Sin embargo, muchas producciones modernas y comerciales parecen haber olvidado esta misión y por ello tratan de conformarse y copiarse unas a otras, lo que da lugar a una homogeneización de los equilibrios tonales, dinámicos y ambientales.

Esta tendencia, por desgracia, está aplanando la experiencia auditiva, convirtiendo la música radiofónica en algo monótono y aburrido.

La diversidad y la innovación en las mezclas son cruciales para mantener viva y fresca la experiencia de escuchar música. La variedad de enfoques y estilos no sólo enriquece el panorama musical, sino que también subraya el arte y la creatividad inherentes a la profesión de mezclador. Esta variedad de sonidos permite a los oyentes experimentar emociones diversas y apreciar la riqueza y profundidad del mundo sonoro.

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Sonido natural y artificial

En 1947, Patti Page se enfrentó a un reto al grabar la canción "Confess". En aquella época, la práctica habitual era grabar con todos los intérpretes presentes en la misma sala, lo que reflejaba la experiencia de una actuación en directo. Sin embargo, la canción requería un dúo vocal y faltaba una segunda cantante. La solución fue sobregrabar la propia voz de Patti Page, utilizando la técnica del rebote de una grabadora a otra, ya que aún no se había inventado la tecnología multipista.

Este método innovador provocó reacciones de asombro y objeciones por parte de muchos de los presentes, que argumentaban que el producto final no sería natural ni auténtico, ya que no reflejaría una situación real que pudiera reproducirse en un concierto en directo. Sin embargo, esta grabación se recuerda hoy como un temprano ejemplo significativo del uso de técnicas "artificiales" en respuesta a una necesidad contingente, con el apoyo de la tecnología de audio disponible en la época.

Esta experiencia marca un momento importante en la historia de la grabación musical, al poner de relieve la tensión entre la búsqueda de un sonido "natural" que refleje fielmente una actuación en directo y el uso de técnicas "artificiales" para hacer realidad visiones musicales que van más allá de las limitaciones de una actuación en vivo. La revolución tecnológica posterior siguió ampliando los límites de lo posible, permitiendo a artistas y productores explorar nuevos horizontes sonoros y crear música sin las restricciones de la realidad práctica.

La decisión entre natural y artificial

Cuando iniciamos un proceso de mezcla, una de las elecciones fundamentales tiene que ver con el tono que queremos imprimir a la composición: ¿queremos que todos los elementos sonoros se perciban como naturales, como artificiales, o queremos mezclar estos dos extremos, creando un cóctel sonoro personalizado?

Algunos géneros musicales, como la música clásica y el jazz tradicional, suelen favorecer un sonido más natural, manteniéndose fieles a la tradición y tratando de satisfacer a un público que aprecia una experiencia auditiva auténtica y envolvente. Por el contrario, géneros como el jazz-fusión y el rock moderno han explorado y adoptado técnicas de mezcla más artificiales, creando nuevos estándares sonoros y ampliando los límites del gusto musical.

La música pop, en particular, se ha convertido en un terreno fértil para la experimentación sónica, con un amplio uso de la compresión, la distorsión, los efectos espaciales y otros elementos que han influido profundamente en el aspecto sónico del género. Sin embargo, en la música pop contemporánea se observa una tendencia creciente a la homologación sónica, con muchos productores que emulan modelos sonoros de éxito comercial.

Los álbumes grabados en estudio son comparables a pinturas, representaciones interpretadas de la realidad, mientras que los álbumes en directo se parecen más a fotografías, que intentan captar la realidad de un acontecimiento musical. El oyente de un álbum en directo espera un sonido más natural, mientras que el de un álbum de estudio puede esperar una ilusión sonora, una realidad modelada y editada.

A pesar de la variedad de técnicas y enfoques en la mezcla, el objetivo final es siempre crear una experiencia auditiva agradable y atractiva. Algunos ingenieros de sonido pueden preferir un enfoque más sutil y respetuoso con el sonido original, mientras que otros pueden experimentar con tratamientos de audio más profundos y aventureros. La capacidad de olvidar los detalles técnicos y dejarse absorber por la composición en su conjunto es crucial tanto para los músicos y los ingenieros de sonido como para los oyentes, que perciben el resultado final en términos emocionales e instintivos. En este contexto, hay espacio para explorar y experimentar, ya que los oyentes suelen responder más a la magia global de la pieza que a los detalles específicos del sonido.

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Imitación e innovación en la mezcla

La diferencia entre un ingeniero de sonido competente y uno creativo suele estar en su propensión a experimentar y aportar ideas innovadoras. Muchos optan por imitar modelos establecidos, un enfoque menos arriesgado y más sencillo. Sin embargo, atreverse a experimentar con nuevos métodos puede dar lugar ocasionalmente a avances significativos, con la posibilidad de introducir nuevos sonidos y dejar una huella indeleble en la historia de la música.

Sin embargo, el éxito de estas innovaciones puede depender en gran medida del contexto. Una mezcla innovadora que caracterice la obra de un artista de éxito y llegue a un público amplio puede consolidar la reputación del ingeniero de sonido como pionero en su campo. Por el contrario, innovaciones de igual valor pueden pasar desapercibidas si se aplican en contextos menos visibles o mayoritarios, como una banda local.

A pesar de estos retos, la voluntad de innovar sigue siendo fundamental para la evolución de la mezcla, un campo que amalgama ciencia y expresión artística. Esta creatividad y voluntad de experimentar también pueden ofrecer a los ingenieros de sonido oportunidades únicas para destacar en su campo, permitiéndoles emerger y dejar una huella duradera en el mundo de la música.

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Limitaciones del aprendizaje de la mezcla técnica

El trabajo del ingeniero de mezclas es sin duda uno de los más difíciles de definir y canalizar en un método de estudio técnico del sonido.

En cambio, otras fases como la grabación, el montaje (dedicado a la corrección y edición de audio) y la masterización permiten aplicar criterios que, aunque no sean absolutos, pueden medirse y, por tanto, utilizarse como estándares.

Esta observación no tiene una aplicación exacta en la mezcla.

En el campo de las mezclas, lo esencial es el resultado final; por eso no es raro encontrarse con una mezcla fascinante realizada siguiendo los propios instintos, descuidando ciertos fundamentos de la buena práctica fónica.

Durante una mezcla realizada "a corazón abierto", pueden surgir soluciones alquímicas misteriosas e imprevisibles.

Por lo tanto, debe tenerse en cuenta cualquier estudio técnico especializado que realice un aprendiz en mezclas:

1. no como un conjunto rígido de instrucciones que deben seguirse al pie de la letra, sino como una guía para la adquisición de conocimientos generales básicos para un ingeniero de mezclas;
2. como medio de adquirir conocimientos técnicos, que se combinan con la experiencia necesaria, y luego se "olvidan", para dejar que la intuición y la creatividad guíen el proceso;
3. cómo se entiende el aprendizaje en el famoso libro de Eugen Herrigel inspirado en el Zen, "Zen y tiro con arco". Esta obra enseña que, una vez que hemos completado un curso de estudio llevado a cabo con disciplina, es la intuición la que dará en el blanco por nosotros, siempre que se le dé el espacio necesario para manifestarse.

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