Breve storia del pianoforte

L’invenzione del pianoforte

L’invenzione del pianoforte è attribuita al padovano Bartolomeo Cristofori (1655–1731), impiegato da Ferdinando de’ Medici Gran Principe di Toscana come custode degli strumenti musicali della casata.

Cristofori era un esperto costruttore di clavicembali e di altri strumenti a tastiera e a corda; questa conoscenza dei meccanismi della tastiera lo ha aiutato a sviluppare i primi pianoforti. 

Non si sa esattamente quando Cristofori costruì per la prima volta un pianoforte; un inventario fatto dalla famiglia Medici indica l’esistenza di un pianoforte nell’anno 1700; i tre pianoforti costruiti da Cristofori che sopravvivono ancora oggi risalgono agli anni Venti del Settecento. Cristofori chiamò lo strumento “un cembalo in cipresso col piano e col forte”, abbreviato poi in fortepiano e infine in pianoforte.

Il grande successo di Cristofori fu determinato dalla progettazione innovativa di uno strumento a tastiera a corde, in cui le note sono percosse  da un martello. 

Il martello doveva colpire la corda, ma non rimanere in contatto con essa, perché il contatto prolungato avrebbe smorzato il suono impedendo alla corda di vibrare e di produrre il suono. 

Dopo aver colpito la corda il martello deve dunque rimbalzare via dalle corde e fermarsi senza sussulti nella posizione di riposo, evitando di rimbalzare più volte e rendendosi pronto a suonare di nuovo quasi immediatamente dopo che il suo tasto sia stato premuto, in modo che il pianista possa ripetere rapidamente la stessa nota, qualora fosse necessario.

I primi strumenti di Cristofori erano realizzati con corde sottili e non erano capaci di produrre il medesimo volume del pianoforte moderno; tuttavia il volume prodotto e anche la durata del sostegno del suono era sensibilmente più elevato rispetto a quello ottenibile col clavicordo, che sino ad allora era l’unico strumento a tastiera capace di riprodurre delle sfumature dinamiche rispondenti al tocco del pianista attraverso la velocità con cui esso premeva i tasti.  

Sebbene il clavicordo consentisse il controllo espressivo del volume e del sustain, esso è relativamente poco sonoro. Il clavicembalo a due manuali invece produceva un suono sufficientemente forte quando un “accoppiatore” univa ogni tasto ad entrambe le tastiere, ma non offriva alcun controllo dinamico espressivo sulle singole note. 

Il pianoforte in un certo senso offriva finalmente il meglio di entrambi gli strumenti precedenti, combinando un elevato volume sonoro con una grande escursione dinamica in risposta al tocco.

Il nuovo strumento di Cristofori rimase relativamente sconosciuto fino a quando uno scrittore italiano, Scipione Maffei, scrisse un articolo entusiasta su di esso nel 1711, includendo uno schema del meccanismo, che fu tradotto in tedesco e ampiamente distribuito. La maggior parte della successiva generazione di costruttori di pianoforti ha iniziato il proprio lavoro leggendo tale articolo. 

L’antenato del pedale di sostegno

Uno di questi costruttori era Gottfried Silbermann, meglio conosciuto come costruttore di organi. I pianoforti di Silbermann erano di fatto delle copie dirette di quelli di Cristofori, con un’aggiunta importante: Silbermann inventò infatti il precursore del moderno pedale di sostegno, che solleva simultaneamente tutti gli smorzatori dalle corde. Quest’innovazione consentiva al pianista di sostenere le note premute anche dopo aver abbandonato i tasti. Pertanto, tenendo un accordo con il pedale sustain, i pianisti potevano spostare le mani su un registro diverso della tastiera per suonare altre note.

Silbermann mostrò a Johann Sebastian Bach uno dei suoi primi strumenti negli anni Trenta del Settecento, ma a Bach in quel frangente lo strumento non piacque, spiegando che le note più alte erano troppo delicate per consentire una gamma dinamica completa. Sebbene questo gli sia valso una certa animosità da parte di Silbermann, la critica fu ascoltata, tanto che Bach successivamente “approvò” un pianoforte del 1747 e finalmente si prodigò anche come agente di rappresentanza per la vendita dei pianoforti di Silbermann. 

La scuola viennese e il fortepiano

La costruzione di pianoforti fiorì durante la fine del XVIII secolo nella scuola viennese, ad opera di Johann Andreas Stein (che lavorò ad Augusta, in Germania) e dei produttori Nannette Streicher (figlia di  Stein) e Anton Walter. I pianoforti in stile viennese erano costruiti con dei telai in legno, due corde per nota e dei martelletti rivestiti in pelle. Le tastiere di questi pianoforti viennesi avevano una colorazione opposta rispetto a quella dei pianoforti moderni: i tasti delle note “naturali” erano nere e quelli delle note “alterate” erano bianche. Fu per tali strumenti che Wolfgang Amadeus Mozart compose i suoi concerti e le sue sonate; si tratta di strumenti ancor oggi replicati per essere utilizzati al fine di riprodurre il suono “autentico” della musica mozartiana dell’epoca. I pianoforti dei tempi di Mozart emettevano un suono con minore intensità rispetto ai pianoforti moderni. Il termine fortepiano distingue questo strumento d’epoca dal pianoforte di epoca più recente.

Nel periodo che va dal 1790 al 1860 circa, il pianoforte dell’era Mozart subì enormi cambiamenti che portarono alla moderna struttura dello strumento. Questa rivoluzione rispondeva all’orientamento dei compositori e dei pianisti verso un suono di pianoforte più potente e maggiormente sostenuto; essa fu resa possibile grazie alla rivoluzione industriale in corso, che produsse delle nuove risorse come il filo armonico di alta qualità per le corde e un processo più preciso di fusione per la produzione di telai metallici in grado di resistere alla tremenda tensione delle corde. Anche la gamma tonale del pianoforte è stata progressivamente aumentata dalle cinque ottave di Mozart alle sette ottave dei pianoforti moderni.

L’avvento delle sette ottave

Intorno al 1777 gli scozzesi John Broadwood e Robert Stodart si unirono all’olandese Americus  Backers per progettare e costruire un pianoforte inserito nel mobile di un clavicembalo, il che fu l’origine del termine “pianoforte a coda”. In tal modo si guadagnarono rapidamente un’ottima reputazione per lo splendore estetico e per il suono potente dei loro strumenti mentre proponevano dei pianoforti sempre più grandi, robusti e dotati di un volume sonoro potente. Essi confezionarono alcuni pianoforti per Joseph Haydn e per Ludwig van Beethoven e furono i primi a costruire pianoforti con un’estensione di più di cinque ottave, nello specifico: cinque ottave e una quinta nel 1790, sei ottave nel 1810 (Beethoven usò le note extra nelle sue opere successive) e sette ottave nel 1820. Anche i liutai viennesi seguirono questa nuova tendenza, sacrificando un po’ del volume dello strumento ad una sua maggiore estensione e capacità espressiva. 

Il doppio scappamento

Verso il 1820 il centro dell’evoluzione del pianoforte si era spostato a Parigi, dove la ditta Pleyel produceva dei pianoforti, gli stessi che vennero poi utilizzati da Frédéric Chopin, così come la ditta Érard produceva quelli che vennero successivamente utilizzati da Franz Liszt. Nel 1821 Sébastien Érard inventò il doppio scappamento che, grazie ad una leva di ripetizione (chiamata balancier), permetteva di ripetere una nota anche se il tasto non fosse ancora tornato completamente in posizione di riposo. Ciò facilitava enormemente la riproduzione rapida di note ribattute, e tale nuova capacità dello strumento fu subito sfruttato da Liszt. L’azione a doppio scappamento divenne così gradualmente uno standard nei pianoforti a coda, dov’è tuttora utilizzata. Altri miglioramenti del meccanismo includevano l’uso di solidi rivestimenti in feltro invece degli strati di pelle o di cotone. Il feltro, che Jean-Henri Pape fu il primo a utilizzare nei pianoforti del 1826, era un materiale più robusto che consentiva delle gamme dinamiche più ampie con l’aumentare del peso dei martelli e della tensione delle corde. Il moderno pedale del sostenuto, che consentiva una più ampia gamma di effetti, fu inventato nel 1844 da Jean-Louis Boisselot e fu copiato dalla Steinway nel 1874. 

L’arpa in ghisa e il filo armonico

Un’innovazione che ha contribuito a creare il suono potente del pianoforte moderno è stata l’uso di un telaio in ghisa massiccia e resistente. Chiamato anche “piatto”, il telaio si trova in cima alla tavola armonica e funge da baluardo principale contro la forza esercitata dalla tensione delle corde, che in un moderno pianoforte a coda può superare le 20 tonnellate. Il telaio in ghisa monoblocco fu brevettato nel 1825 a Boston da Alpheus Babcock. Babcock in seguito ha lavorato per i Chickering & Mackaysazienda che ha brevettato il primo telaio in metallo pieno per pianoforti a coda nel 1843. I telai in metallo forgiato composito erano preferiti da molti produttori europei fino a quando il sistema americano non fu completamente adottato all’inizio del XX secolo. La maggior integrità strutturale del telaio metallico ha consentito l’uso di corde più spesse, più tese e più numerose. Nel 1834, la ditta Webster & Horsfal di Birmingham lanciò una forma di filo armonico in acciaio fuso; esso era così tanto superiore al filo di ferro che l’azienda inglese ottenne di fatto il monopolio per la fabbricazione delle corde. Ma un filo d’acciaio ancor migliore fu presto creato nel 1840 dalla ditta viennese di Martin Miller; ne seguì un periodo d’innovazione e d’intensa competizione, con marchi rivali di filo armonico messi alla prova l’uno contro  l’altro nelle competizioni internazionali, portando infine alla forma moderna del filo armonico.

Il capotasto e le corde incrociate

Diversi importanti progressi includevano modifiche al modo in cui il pianoforte era incordato. L’uso di un “coro” di tre corde, anziché due per tutte (tranne le note più basse, monocorde), ha esaltato la ricchezza e la complessità degli acuti. L’uso di una barra di Capo d’Astro (o capotasto) al posto delle graffe negli acuti più alti ha permesso ai martelletti di colpire le corde nella loro posizione ottimale, aumentando notevolmente la potenza di suono in quella zona. L’implementazione del sistema a corde incrociate (over-stringing o cross-stringing), in cui le corde sono posizionate su due piani separati, ciascuno con il proprio ponte, consentiva una maggiore lunghezza delle corde dei bassi e ottimizzava il passaggio dalle corde srotolate degli alti alle corde dei bassi avvolte in ferro o rame. L’over-stringing fu inventato da Pape durante il 1820 e brevettato per la prima volta per l’uso nei pianoforti a coda negli Stati Uniti da Henry Steinway Junior nel 1859.

Alcuni produttori di pianoforti aggiunsero variazioni per migliorare il suono di ogni nota, come Pascal Taskin (1788), Collard & Collard (1821) e Julius Blüthne, che sviluppò l’incordatura Aliquot nel 1893.

Questi sistemi furono usati per rafforzare il suono del registro più acuto delle note del pianoforte, che fino a quel momento era considerato troppo debole. Ciascuno utilizzava vibrazioni più distintamente squillanti e non smorzate di corde che vibravano per simpatia da aggiungere al suono, ad eccezione delle corde Blüthner Aliquot, che utilizza una quarta corda aggiuntiva nelle due sezioni alte superiori. Ansioso di copiare questi effetti, Theodore Steinway ha inventato il duplex scaling per aumentare le vibrazioni per simpatia.

Il pianoforte quadrato

Alcuni dei primi pianoforti avevano forme e  design che non sono più in uso; il cosiddetto pianoforte quadrato (che non era veramente quadrato, bensì rettangolare) era teso a croce con un angolo estremamente acuto sopra i martelletti, con la tastiera disposta lungo il lato lungo. Questo disegno è attribuito a Christian Ernst Friderici (allievo di Gottfried Silbermann, in Germania) e Johannes Zumpe (in Inghilterra) ed è stato migliorato dai cambiamenti introdotti per la prima volta da Guillaume-Lebrecht Petzold in Francia e da Alpheus Babcock negli Stati Uniti. I pianoforti quadrati furono costruiti in gran numero tra il 1840 in Europa e il 1890 negli Stati Uniti e costituirono il cambiamento più macroscopico dello stile del pianoforte: i quadrati con struttura in ferro e sovracorde prodotti da Steinway & Sons erano il doppio più voluminosi degli strumenti con cornice in legno di un secolo prima. La loro schiacciante popolarità era dovuta alla costruzione e al prezzo relativamente economico, sebbene il loro suono e le loro prestazioni fossero limitati da tavole armoniche strette, da una meccanica elementare e dalla spaziatura delle corde che rendeva difficile il corretto allineamento dei martelletti.

Il pianoforte a coda verticale 

Il pianoforte a coda verticale, con corde verticali, era realizzato come il pianoforte a coda orizzontale, con la tavola armonica e i ponti sopra i tasti e le chiavi di accordatura sotto di essi; pertanto erano altissimi e denominati con nomi evocativi come Piano giraffa o Piano Piramide e spesso venivano decorati in sintonia col nome; fu costruito nell’Ottocento. La minuscola spinetta verticale è stata prodotta dalla metà degli anni ’30 fino a tempi recenti. La posizione bassa dei martelli richiedeva l’uso di una “azione di caduta” per preservare un’altezza ragionevole della tastiera. 

Il pianoforte moderno

I moderni pianoforti verticali e a coda hanno raggiunto le loro attuali forme entro la fine del XIX secolo; in seguito sono stati apportati miglioramenti nei processi di produzione e molti dettagli dello strumento continuano ad evolversi.

Alcuni pianoforti acustici, dagli anni 2010 in poi vengono dotati di interfacce MIDI e di un modulo audio digitale.

Stili in evoluzione

Molti compositori di musica classica, tra cui Haydn, Mozart e Beethoven, hanno composto per il fortepiano, uno strumento piuttosto diverso dal pianoforte moderno. Anche i compositori del movimento romantico, come Franz Liszt, Frédéric Chopin, Clara e Robert Schumann, Fanny e Felix Mendelssohn e Johannes Brahms, hanno scritto per pianoforti molto diversi dai pianoforti moderni. I musicisti contemporanei devo dunque adattare la loro interpretazione delle composizioni storiche dal 1600 al 1800 in funzione delle differenze della qualità del suono e della tecnica esecutiva.

A partire da Beethoven, il fortepiano si è evoluto in uno strumento più simile al pianoforte moderno degli anni 2000, che è stato ampiamente utilizzato alla fine del XIX secolo. Presentava una gamma di ottave più ampia rispetto al precedente strumento fortepiano, aggiungendo circa 30 tasti in più allo strumento, che estendeva la  gamma dei bassi profondi e la gamma degli acuti. La produzione popolare dei pianoforti verticali li ha resi più accessibili ad un numero maggiore di persone della classe media. Sono apparsi nei music hall e nei pub durante il XIX secolo, fornendo intrattenimento con un solista di pianoforte o in combinazione con una piccola band da ballo. Così come i clavicembalisti avevano accompagnato cantanti o ballerini che si esibivano sul palcoscenico o suonavano per i balli, i pianisti assunsero questo ruolo alla fine del 1700 e nei secoli successivi.

Durante il XIX secolo, i musicisti americani che suonavano per il pubblico della classe operaia in piccoli pub e bar, in particolare compositori afroamericani, svilupparono nuovi generi musicali basati sul pianoforte moderno. La musica ragtime, resa popolare da compositori come Scott Joplin, raggiunse un pubblico più ampio nel 1900; la popolarità della musica ragtime fu rapidamente sostituita dal “pianismo” jazz. Nuove tecniche e ritmi sono stati inventati per il pianoforte, tra cui il cosiddetto “ostinato” per il boogie-woogie e il Voicing di Shearing. Rhapsody in Blue di George Gershwin ha aperto nuovi orizzonti musicali combinando il pianoforte jazz americano con i suoni sinfonici. Il Comping, una tecnica per accompagnare i cantanti e altri solisti jazz al pianoforte, è stata esemplificata dalla tecnica di Duke Ellington. La musica honky-tonk, caratterizzata da un altro stile di ritmo del pianoforte, mutuata dal blues e antenata del rock’n’roll, divenne popolare durante la stessa epoca. Le tecniche del bebop sono nate dal jazz, con importanti compositori-pianisti come Thelonious Monk e Bud Powell. Alla fine del XX secolo, Bill Evans ha composto brani che combinano tecniche classiche con la sua sperimentazione jazz. Negli anni ’70, Herbie Hancock è stato uno dei primi compositori-pianisti jazz a trovare popolarità con nuove tecniche di musica urbana, come il jazz-funk, il jazz-rock ed latri generi “fusion” (fusione di generi e di correnti musicali in un nuovo stile ibrido).

I pianoforti sono stati anche usati in modo prominente nel rock and roll e nella musica rock da artisti come Jerry Lee Lewis, Little Richard, Keith Emerson (Emerson, Lake & Palmer), Elton John, Ben Folds, Billy Joel, Nicky Hopkins e Tori Amos, giusto per citarne alcuni. Gli stili musicali modernisti hanno anche stimolato l’opera dei compositori che scrivono per il moderno pianoforte a coda, tra cui John Cage e Philip Glass.

La struttura ad azione meccanica del pianoforte verticale fu inventata a Londra, in Inghilterra, nel 1826 da Robert Wornum, e i modelli verticali divennero il modello più popolare e diffuso per l’uso domestico. 

Ruolo del pianoforte

Il pianoforte era il fulcro della vita sociale nella casa dell’alta borghesia del XIX secolo.

Esso è uno strumento importante nel contesto della musica classica occidentale, nel jazz, nel blues, nel rock, nella musica folk e in molti altri generi musicali occidentali. I pianoforti sono usati in ruoli solistici o melodici o ancora come strumenti di accompagnamento. Inoltre, i pianoforti possono essere suonati da soli, in duo con un cantante o con un altro strumento, in piccoli gruppi (bande e ensemble di musica da camera) e grandi ensemble (big band o orchestra). 

Un gran numero di compositori e cantautori sono abili pianisti perché la tastiera del pianoforte offre un mezzo efficace per sperimentare complesse interazioni melodiche e armoniche di accordi ed eseguire più linee melodiche indipendenti da suonare contemporaneamente. I pianoforti sono utilizzati dai compositori che realizzano colonne sonore per film e televisione, poiché l’ampia gamma consente ai compositori di provare melodie e linee di basso, anche se successivamente la musica verrà orchestrata per altri organici strumentali.

Direttori di formazioni orchestrali e di coro spesso imparano a suonare il pianoforte, poiché è uno strumento eccellente per sostenere l’apprendimento di nuovi brani e canzoni da dirigere durante l’esecuzione. Molti direttori d’orchestra possiedono una formazione anche pianistica che gli permette di suonare un condensato delle parti dei brani orchestrali che dovranno dirigere (usando spesso una “riduzione per pianoforte”), in modo che possano elaborarne i criteri interpretativi prima di trasmetterli agli orchestrali.

Il pianoforte è uno strumento essenziale nell’educazione musicale. La maggior parte delle aule di musica e molte sale prove hanno un pianoforte residente. I pianoforti sono usati come ausilio per l’insegnamento della teoria musicale e della storia della musica e per le lezioni di educazione musicale; pertanto anche gli insegnanti di musica “non pianisti” hanno spesso un pianoforte nel loro ufficio.